Musiques du monde - Playlist "fete de la musique" et entretien avec Poirier Dj et producteur de Montreal

Moh Kouyaté se joue des genres avec trompette et violoncelle, Flamenkora dessine des esquisses de l'Espagne d'une manière africaine avec l'esprit du jazz. Notre premier invité est Moh Kouyaté dans la #SessionLive. En 2015, Moh! met le chaos sur les ondes radio avec son single T’en vas pas, ça va pas !, extrait de son album Loundo : il y révèle sa griffe et ses riffs électriques, électrisants, dans une fusion à chaud de blues, de rock, de funk, d’afrobeat et de musique traditionnelle mandingue. Carrément dingue. Kouyaté, le globe-trotter du groove, s’impose comme l’une des nouvelles voix de l’Afrique réellement enchantées. Depuis, l’artiste a colorié ses partitions au fil de ses pérégrinations aux États-Unis, puis de sa plongée dans la scène afro-jazz parisienne. Moh! la gâchette affole la boussole avec son jeu tout-terrain influencé par B.B. King, George Benson, Jimi Hendrix, Sékou Diabaté du mythique Bembeya Jazz National et autres sorciers de la six-cordes. Son gig-bag est recouvert de macarons, les douaniers ont des maux de crâne... Moh! démontre qu’il n’existe d’autres frontières que celles que l’on s’impose. La preuve avec son nouvel album, Mökhöya. Si l’atypique artiste avait revisité le répertoire traditionnel guinéen sur son précédent album, Guinea Music All Stars, en modernisant quelques standards des grands orchestres de Conakry, il est allé à l’essentiel sur ce nouveau disque, composé en mode intimiste et en formule quartet, entouré d’un All Stars des cordes acoustiques (le korafola Sefoudi Kouyaté et le violoncelliste Olivier Koundouno) et du trompettiste Camille Passeri. « Cela faisait longtemps que je voulais réaliser un album acoustique, les confinements m’en ont donné l’occasion en me permettant de revenir à l’essence de la musique et d’être à contrepied des surproductions actuelles. » L’humanité pour seul horizon Mökhöya ? Humanisme en malinké. Un appel à plus de fraternité et de solidarité en ces temps troublés. Dans Kankélen, Moh! le magnanime invite ses contemporains à « s’entre-aimer » plutôt qu’à s’entre-déchirer. À ses yeux, la vie est « une traversée qui demande courage, force mentale et dignité », rappelle-t-il dans Douniatégo. « Il faut apprendre l’humanité », exhorte Djeli. Moh!, descendant d’une dynastie de griots, dans Siiya, un hommage aux gardiens de la tradition. À l’occasion, Moh! chronique la société africaine d’un regard acéré comme lorsqu’il dénonce le mariage forcé entre un grand-père et une fillette dans Tanoun, convoquant les choeurs tribaux et une trompette jazz digressive. Place à Kouyaté le caustique dans l’hypnotique complainte N’Khafo, moquant les dialogues de sourds : « Parler au têtu ? Tu perds ton temps, il n’entendra que par le voir », déplore-t-il. Pour l’illustrer, il dépoussière le blues à papa en mariant les ocres africains à la note bleue, les shuffles du Deep South américain aux transes du désert. Mieux, sur l’instrumental Tara, la kora croise le fer et le nylon avec la six-cordes et taquine la gamme pentatonique, rappelant si besoin était que l’Afrique est terre et mère de blues. Seul morceau chanté en français, Toi et Moi décrit la douleur de l’exil à travers un couple séparé par des « contrées immenses ». Ils vont « errer, rêver » pour abolir les distances. Double sens : « En filigrane, cette chanson traite de la situation intolérable des sans-papiers en France, que l’on jette sur les trottoirs. Comment expliquer toutes ces constructions alors que beaucoup dorment dehors ? » Mökhöya est tout à la fois un retour aux sources ouest-africaines et un jeu de saute-frontière. « Le mélange est mon ADN. » Ce pont entre l’Afrique natale, l’Europe et les États-Unis, ses terres d’adoption, Moh! l’érige, ou plutôt l’arpège, en cordes sensibles et en souffles chauds de trompette. Ballades boisées sur caresses de cello et de cuivre (Faloufema) pour évoquer l’âme sœur, ou à l’unisson de la kora sur Miyabélé (reprise d’un titre du trop méconnu Bah Sadio, chanteur peuhl guinéen...

Blick Bassy présente son nouvel album Madiba et James BKS Wolfes of Africa part2 dans la #SessionLive. Blick Bassy est notre premier invité. Né en 1974 à Mintaba au sud-ouest du Cameroun, Blick Bassy a grandi à Yaoundé. Musicien autodidacte, il a 22 ans lorsqu’il fonde le groupe Macase qui métisse jazz, soul, et culture bantoue. Le groupe, célèbre au Cameroun, sort un 1er album en 1996 Etam puis Doulou en 2002. Blick Bassy décide de se lancer dans une carrière solo et sort Léman en 2009, enregistré dans el studio de Salif Keïta à Bamako. S’ensuit Hongo Calling en 2011, Ako en 2015, puis 1958 en 2019 en hommage à Ruben Um Nyobe, héros de la résistance anticoloniale. Il publie un 1 roman en 2016 « Le Moabi Cinéma » chez Gallimard. C’est pour son nouvel album Madiba entièrement dédié à l’eau, que Blick Bassy joue dans la #SessionLive. Titres interprétés au Grand studio - Loba LIVE RFI avec RFI Vidéos - Bissaï, extrait de l’album Madiba - Hola Mè Live RFI avec RFI Vidéos. Line Up : Blick Bassy (chanteur guitariste), Arno de Casanove (claviers et trompette) et Romain Jovion (percussions électroniques). Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. ► Album Madiba (InFiné 2023). Puis nous recevons James BKS pour l’album Wolves of Africa part 2/2 La vie de James BKS démarre en France en 1982, et change radicalement lorsque sa famille s’installe aux États-Unis. C’est dans ce pays qu’il découvre la scène hip hop. Il produit des musiques pour Snoop Dogg, Akon, Puff Daddy and Ja Rule. Puis déménage à Atlanta où se joue le futur de la musique électronique au début des années 2000. Il retourne en France et monte sa structure Grown Kid, qui s’occupe de l’artiste de A à Z. Il rencontre son père biologique, Manu Dibango et se reconnecte à la culture douala. En 2017, James BKS compose la chanson « Kwele », issu d’un sample de « Senga Abele » qui fut enregistré par son père en 1990. Et c’est avec une pochette qui renvoie à l’album Wakafrica de Manu Dibango, que James BKS fait la couv’ de son nouvel album Wolves of Africa part 2/2. Titres interprétés au Grand studio - Karma Live RFI avec RFI Vidéos - Harriet Live RFI avec RFI Vidéos - Mi Amor Live RFI avec RFI Vidéos. Line Up : James BKS, chant, Black Kamoni, basse, Wendy Milton, claviers et Elias Israël, guitare. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Wolves of Africa part 2/2 (Grownkid 2023)

La 35ème édition du festival Africolor a démarré le 17 novembre 2023 avec Kabeaushé, Kutu et Noura Mint Seymali et finira sa course le 24 décembre 2023 avec le traditionnel Noël mandingue. Nous recevons Sébastien Lagrave, le directeur et les musiciens de la création Kananayé. ⇒ Festival Africolor ⇒ Kabeaushé, Kutu - Africolor ⇒Noël mandingue - Africolor ⇒Kananayé - Africolor. Sébastien Lagrave présente la 35ème édition d’Africolor et nous avons mis en avant une des créations du festival : Kanazoé, Clotilde Rullaud, Abdoulaye Traoré, Boubacar Djiga, Achille Nacoulma. Chanson blues burkinabé - création Kananayé, c’est une histoire qui commence à Bobo-Dioulasso en 2019, une première fois au Burkina Faso pour la chanteuse Clotilde Rullaud, à l’occasion du festival Badara et une rencontre musicale évidente, comme il s’en produit parfois, avec le batteur Achille Nacoulma et le guitariste Abdoulaye Traoré, fines fleurs de la scène musicale burkinabè. Rejoints plus tard par Kanazoé au balafon et Boubacar Djiga au n’goni, la combinaison artistique était parfaite, la team bien trop belle, pour ne pas concocter, dans la chaleur ouatée des studios de Bobo, une hydre musicale à 5 têtes, un album écrit collectivement, au carrefour d’univers artistiques pluriels. Alliant slam, chansons en français, dioula, moré, anglais, le vent de l’improvisation en poupe mais la boussole toujours pointée vers les musiques traditionnelles d’Afrique de l’Ouest, le son de Kananayé voyage, entre Paris et Bobo, raconte la vie d’aujourd’hui, emprunte les chemins du blues, sillonne vers les rivages afro-américains, insufflant à l’arrivée une musique très actuelle, emmenée par une belle complicité et le bonheur de jouer ensemble. « Kananayé », comme on dit dans les rues de Bobo, c’est pas facile mais ça va aller ! Titres interprétés au Grand studio - Création Kananayé Belleville Live RFI - Cd Moh Kouyaté Kan Kelen - Création Kananayé Teri Djougou Live RFI - Cd Wati Watia Zorey Band Lamizé Pas Dous - Création Kananayé Cimetre Live RFI - Cd Bawrut Feat. Glitter55 Fe Samaa - Cd Bonga Mona Ki Ngi Xica. Line Up : Kanazoe : Balafon + vocal, Abdoulaye Traoré : guitare électro-acoustique, Clotilde Rullaud : voix + flûte. Réalisation : Hadrien Touraud.

Nous recevons la réalisatrice portugaise et cap-verdienne Ana Sofia Fonsaca pour le film « Cesaria Evora, la diva aux pieds nus » et Oriane Lacaille pour l’album iViV dans la #SessionLive. Cesaria est un mystère qui ne s’élucide pas d’après Lusafrica, lire la suite sur le site de son label. Patrick Chamoiseau écrit : Cesaria Evora est faite de cet humus dans le sec de ces sables. Ce n’est pas une biographie, c’est une révélation obscure, chargée de terre, de vie, de musiques, de simplicité, d’amitié, d’amour, d’interrogation et de lucidité. J’ai compris dans ces pages que Cesaria Evora est à elle seule une terre créole où la diversité des imaginaires et des hommes donnait naissance à une musique valable pour tous, là où la mélodie, l’harmonie et la polyrythmie ont rencontré les souffrances des hommes : creuset du blues, du jazz et de la morna. J’ai compris que Cesaria Evora est aussi une douleur, la sienne d’abord, celle de sa vie, de ses amours terribles, de cette ivresse destructrice qui suppléait aux bourgeons abîmés de l’espoir. Et cette vie familière des extrêmes parle à la nôtre en un direct sensible. Quand elle chante, elle vient avec une existence entière rescapée des bars sordides et des dorures factices de chez les grandes gens, dotores du Cap-Vert qui voulaient l’écouter. Elle vient aussi avec son exil immobile, ce but d’exil irrépressible qui maintenant gît en chacun de nous, îles en dérive dans le monde qui fait monde. Elle vient avec une incomparable tristesse envers le tout possible. Elle dit le bonheur perdu mais à portée de main. Elle dit la blessure nègre en absence et silence. Elle dit le souvenir en ses limons précieux. Elle dit la mort et l’oubli, la fidélité et la patience, la liberté offerte sur des vagues amères où l’on ose mettre le pied. Elle dit le monde ouvert des îles tellement peu clos, tellement livré aux métissages et aux souffles de la terre. Elle dit sous la fatalité, la joie, l’espoir, la force ronde, la patience aiguisée. Ses pieds sont nus, sa voix est nue, son cœur nu est offert dans la parure de toutes les grâces. Chez les êtres humains, Cesaria est une reine. Texte écrit par Patrick Chamoiseau, paru dans Le Monde, à propos de la publication de la biographie écrite par Véronique Mortaigne, peu après la sortie de l’album « Cabo Verde » en février 1997. En 2023, c’est au tour de la journaliste et réalisatrice Ana Sofia Fonseca de raconter la Cesaria Evora qu’elle a découverte pendant 5 ans en regardant des kilomètres d’archives privées. « Mon film se compose d'images et de sons provenant de diverses sources, presque toutes issues d'archives privées. Grâce à ce film, j'ai rencontré des personnes exceptionnelles qui nous ont beaucoup aidés et nous ont fait confiance, en nous donnant accès à leurs souvenirs mais aussi à leurs archives. Je ne peux que les remercier. » Dans ce documentaire, la journaliste et réalisatrice Ana Sofia Fonseca utilise de nombreux plans de coupe de paysages capverdiens. « Je crois qu'il est nécessaire de comprendre l'environnement d'une personne pour la connaître. En ce qui concerne Cesária, il s'agit du Cap-Vert et plus particulièrement, de l'île de São Vicente et plus encore, de la ville de Mindelo. On ne parle pas seulement du sol sur lequel elle a marché mais de l'air qu'elle a respiré. Elle est cette mer bleue, ces montagnes arides, ce vent. On retrouve Mindelo dans sa personnalité, sa manière d'être, son humour... » La traduction de Ana Sofia Fonseca est assurée par Elisabeth Perello. Titres joués : Mar Azul, Lagrimas Negras Feat. Compay Segundo, Petit Pays, Sodade, Carnaval de São Vicente. Sortie en salle le 29 novembre 2023, bande annonce. Puis nous recevons Oriane Lacaille dans la #SessionLive pour la sortie de l’album iViV. Oriane Lacaille était prête sans le savoir. Quand elle rembobine la genèse d'iViV, le premier album sous son nom, elle décrit une étincelle qui a allumé un feu de joie. Notez le graphisme du titre, avec ses « i »...

Mademoiselle chante le raï pourrait être le sous-titre du nouveau projet de Rodolphe Burger avec la chanteur de raï algérien Sofiane Saïdi (Naab, Mazalda, Acid Arab) et le oudiste Mehdi Haddab (DuOud, Speed Caravan). Au détour d’une chanson, d’une conversation ou d’un souvenir, le fantôme de Rachid Taha nous hante. Son ombre éclaire aujourd’hui le super-groupe Mademoiselle, un hydre à trois têtes – fortes têtes, têtes brûlées – Rodolphe Burger (voix, guitare), Mehdi Haddab (oud électrique) et Sofiane Saidi (voix, claviers, machines, basse) se sont souvent croisés ces dernières années. En compagnie de Rachid Taha, mais aussi dans différents projets sur le registre rock-électro-oriental défriché par lui. La constitution d’un trio, en 2020, à la faveur d’une résidence à la Dynamo de Banlieues Bleues, coulait donc de source. À l’inverse des fusions assemblées avec des ficelles apparentes, Mademoiselle fait bloc, alliage de ses égos fondus sous le feu des musiques ardentes. Enfiévré par la tension des cordes et la transe des machines, le trio voyage de scène en scène, à tombeau ouvert dans une 504 dont le kilométrage atteste des aller-retour entre le raï de Sidi Bel Abbès, le blues du Delta et Sainte-Marie-aux-Mines, Alsace, où l’album a été enregistré. Il sortira en mars 2023, constitué de compositions communes, sur des textes en français et en arabe que se partagent Rodolphe Burger et Sofiane Saidi, en plus de reprises de George Thorogood (I Drink Alone) et Jimi Hendrix (Hey Baby) auquel Mehdi Haddab est souvent comparé. Sous son titre de civilité, Mademoiselle cache trois personnalités mordantes dont l’association produit une poésie qui plairait beaucoup au fantôme bien aimé. Titres interprétés au Grand studio - Mademoiselle Live RFI - One Two Three, extrait de l’album Mademoiselle voir le clip - 504 Live RFI - Walk on the other side, extrait de l’album Live Couscous Clan avec Rachid Taha (La Dernière Bande 2023). Line Up : Rodolphe Burger, chant, guitare, Mehdi Haddab, oud, Sofiane Saïdi, chant, machines, claviers. Son : Jérémie Besset & Mathias Taylor. ► album Mademoiselle (Dernière Bande 2023). Tournée algérienne Mademoiselle en février 2024. Site Dernière Bande Chaîne Youtube Sofiane Saïdi Mehdi Haddab Facebook. + Lol Tolhurst x Budgie x Jacknife Lee Los Angeles feat. James Murphy voir le clip, extrait de l’album Los Angeles (Pias 2023). + Acid Arab La Hafla feat. Sofiane Saïdi.

Compositeur, sorcier du bidouillage électronique, Labelle entre dans la transe avec son nouvel album Noir Anima. Et comme chaque mois, Sophian Fanen propose ses 5 titres obsessions du mois. Sophian Fanen s’intéresse aux cas complexes de nos vedettes culturelles préférées, ce mois-ci il a ausculté : - Marta Del Grandi, Selva, tiré de l'album Selva (Fire Records, 2023) trailer - Oko Ebombo, Paris, tiré de l'album Free Emotion (Mokili, 2023) - Hanaa Ouassim, Kamanja Ice, tiré de l'album La Vie de star (Pan European Recordings, 2024) voir le clip - Tif, Shadow Boxing (live session), tiré de l'album 1.6 (HSH, 2023) voir le clip - Dorsaf Hamdani, Al Bint el Chalabeya, tiré de l'album Dorsaf Hamdani chante Barbara & Fairouz (Accords Croisés, réédition 2023) teaser. Puis nous recevons Labelle dans la #SessionLive pour la sortie de l’album Noir Anima #électro #maloya #iledelareunion Compositeur aventureux naviguant avec brio au confluent de diverses sources musicales, Labelle fête la sortie de son nouvel album, NOIR ANIMA, tout entier irrigué par un désir de danse et de transe. Au terme d’un processus créatif en plusieurs étapes impulsé en 2018, NOIR ANIMA a été finalisé en 2023. Alliage vibrant d'électro et de maloya - musique emblématique de La Réunion - il traduit une quête fiévreuse de libération du corps par la musique, et réciproquement. « Sentir l’instant, être, s’émerveiller d’être, fondre dans le présent », annonce Labelle. Avec ce cinquième album, publié comme les précédents par l’excellent label InFiné, le musicien enrichit d’intenses nuances inédites son langage foncièrement hybride oscillant entre l’Occident et l’Océan indien. Élaboré en partie lors de temps de résidence au Centquatre-Paris, le live accompagnant NOIR ANIMA se dévoile dans ce haut-lieu pour la première fois le 30 novembre 2023, dans le sillage immédiat de la sortie de l’album. Titres interprétés au Grand studio - L’Homme Félin Live RFI - Le fil Feat. Hasawa, extrait de l’album Noir Anima - Danse Chamane Live RFI. Line Up : Jérémy Labelle, machines. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Noir Anima (InFiné 2023). Réalisation : Hadrien Touraud.

Embarquement immédiat pour les Caraïbes, avec la #SessionLive de Mario Canonge Trio et l’auteure Caroline Bourgine pour son livre le « Dictionnaire des Caraïbes ». Mario Canonge, Michel Alibo et Arnaud Dolmen jouent 2 titres de l’album éponyme. Et c’est le Mario Canonge qui ouvre le bal dans la #SessionLive 3 mois après la sortie du deuxième volume de son Quint’Up avec Michel Zenino, le pianiste hyper productif Mario Canonge revient en trio en compagnie de Michel Alibo et Arnaud Dolmen, dans un nouvel album à la sauce caribéenne enregistré en live pour préserver la magie de l’improvisation et de la complicité qui lie les musiciens. Très inspiré par les deux grands noms antillais du piano, Marius Cultier et Alain Jean-Marie, Mario Canonge est sans aucun doute l’un des plus grands pianistes de jazz français actuels, en témoigne une carrière parsemée de rencontres toutes plus prestigieuses les unes que les autres. À l’aube des années 80, il arrive à Paris pour étudier la musique et joue beaucoup de musique latine, notamment dans le groupe La Manigua avant d’être, avec Nguyen Lê, le cofondateur du groupe de jazz-rock fusion Ultramarine. Il devient vite très demandé et enchaîne les collaborations avec des artistes comme Lavelle, Dee Dee Bridgewater, Nicole Croisille, mais aussi Carter Jefferson ou encore Chico Freeman. Dans cet album sobrement intitulé Mario Canonge Trio, il revisite ses compositions passées et actuelles avec une paire rythmique de feu. À la contrebasse, il retrouve Michel Alibo, vieux compagnon de route avec lequel il était notamment au départ du groupe Sakiyo, éclair fulgurant dans la musique Caribéenne de la fin des années 80. Derrière les fûts, tout simplement le batteur le plus en vue et le plus demandé de la scène française, Arnaud Dolmen, dont le dernier album Adjusting (2022) lui a valu de recevoir le prix « Révélation » aux dernières Victoires du Jazz, ainsi que le titre de « Musicien de l’année » décerné par les rédactions de Jazz Magazine et Jazz News. Capté en public au Comptoir de Fontenay-sous-Bois en janvier 2023 pour le compte du label Aztec Musique, ce disque dévoile la complicité d’un trio où même les silences sont éloquents. Il est aussi le fruit de nombreuses performances qui ont permis aux trois musiciens d’hisser l’œuvre de Canonge à des sommets de musicalité, jusqu’à cet enregistrement, véritable acte de renaissance qui s’inscrit dans la continuité d’une année 2023 déjà bien prolifique pour le pianiste martiniquais. La journaliste, auteure et réalisatrice Caroline Bourgine présente son livre « Dictionnaire des Caraïbes, un itinéraire poétique » chez Caraïbéditions. Un dictionnaire des Caraïbes insulaires et continentales pour un itinéraire amoureux qui, en toute subjectivité, invite à circuler à travers les mots, les lieux, les auteurs, les langues et les territoires. L'auteure se plaît à rencontrer le singulier proche et lointain, tout un creuset de mondes brassés par l'histoire, la géographie, l'archéologie, la cuisine, la littérature, la botanique et les musiques. Autant de balises pour entrer dans ce Tout-monde, intime de la relation aux êtres et aux choses, pour entendre une composition poétique sans ordonnance tissée de définitions fragiles et mouvantes. Caroline est également l’auteure du documentaire MAGMAS76 sur les évènements de la Soufrière. Titres interprétés au Grand studio - Fleur de terre Live RFI en trio - Toto Bissainthe Rasanbleman, choix Caroline - Entre la Pelée et l’Ararat, extrait de l’album Mario Canonge Trio - Ibrahim Ferrer Ay Candela, choix Caroline - Karnaval blues Live RFI en trio voir le clip - Harry Belafonte Mesi bondie, choix Caroline. Line Up : Mario Canonge, piano, Michel Alibo, contrebasse, Arnaud Dolmen, batterie. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Mario Canonge Trio (Aztec Musique 2023). - Bob Marley Stir it Up, album Catch a Fire. ► À lire sur RFI Musique Catch A Fire, de Bob Marley a 50 ans : ce qu’en disent les artistes...

La Mòssa, Batteries et Polyphonies Italie – France et #SessionLive avec l’artiste d’origine malienne Pedro Kouyaté pour la sortie de l’album Following. Notre 1 invitée est Lilia Ruocco du groupe La Mòssa pour la sortie du nouvel album Wanda Pétrichor La Mòssa, c’est un chœur en mouvement, cinq femmes, cinq voix pour tisser une polyphonie envoûtante, à la recherche de sonorités rugueuses, portées par les percussions, les pieds et les mains. Des morceaux au goût de métissages : l’Italie méridionale comme terreau originel, l’Espagne poétisée par García Lorca, l’Occitanie toujours… Dans La Mòssa, une histoire de mouvement et d'évolution constants, un ensemble de quatre artistes est déterminé à mélanger leurs sonorités et leurs rythmes pour bousculer certains stéréotypes. Après avoir puisé aux sources des répertoires traditionnels pour peaufiner un joyau d'un premier album, ils nous embarquent désormais dans un nouveau voyage passionnant. En créant un ensemble de compositions nouvelles, bien ancrées dans le monde d'aujourd'hui, ces quatre femmes s'attaquent durement à l'apparente naïveté des rythmes et des mélodies issues de traditions séculaires. En 2019, le cœur de leur album « une mousse ! » palpitait de chants traditionnels anciens qu'ils nous proposent dans de nouvelles variations originales. Ils brassaient déjà des langues, des cultures et des émotions à partir d’histoires anciennes en incarnant leurs propres énergies vivantes. En octobre 2023, ces artistes-citoyens du monde reviennent avec leur nouvel opus Wanda Pétrichor qui s'éloigne de leur inspiration originelle liée aux chants traditionnels, pour se connecter plus loin au monde d'aujourd'hui. La Mòssa sont Emmanuelle Ader - voix, tambour français, Lilia Ruocco - voix, surdo, tammorra, Sara Giommetti - voix, palmas, crécelles, tamburello, Aude Marchand - voix, palmas, surdo. Titres joués : Granada, Ba Shakle Ke Metona, Zarboutan et Oh Me. ► Nouvel album Wanda Pétrichor (La Curieuse 2023). Voir Clip Territoires Concert le 23 novembre 2023 au Studio de l’Ermitage, Paris. Puis nous recevons Pedro Kouyaté dans la #SessionLive pour la sortie de l’album Following. Pedro Kouyaté, artiste d’origine malienne célèbrera le 12 novembre 2023 la naissance de son label et de son nouvel album Following, au Café de la Danse, avec la pianiste Estelle Jacques et Chérif Soumano. Il fait son apprentissage au sein du Symetric Orchestra de Toumani Diabaté. Il obtient sa licence de socio-anthropologie à Bamako et part en tournée avec Boubacar Traoré. En 2006, Pedro Kouyaté s’installe à Paris et crée son groupe Pedro Kouyaté & Band. En 2023, il sort un nouvel album Following avec des feat. d’Oxmo Puccino, Arthur H et Erik Truffaz… Titres interprétés au Grand studio - Tissus Live RFI voir le clip - Sage femme feat. avec Éric Truffaz, extrait de l’album Following - Marassa feat. Big Daddy Wilson Live RFI voir clip. Line Up : Xavier Gélard, batterie, Nelson Hamilcaro, basse, Pédro Kouyaté, guitare, kamale n'goni, chant. Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset. ► Album Following (Isaac Jade Rd 2023). Pedro Kouyaté, liens utiles : Compagnie Isaac & Jade Autel des artistas de Paname web mediaSoundcloud Chérif Soumano et d'Estelle JacquesSite officiel de Estelle JacquesChaîne YouTube Cherif SoumanoCafé de la danse 12 novembre.

Du Sahel à l’île-de-France, de la musique tamashek du Niger à un afrobassband francilien, tout est dans la #SessionLive ! Notre 1 invité est Omara « Bombino » Moctar, un surdoué de la guitare et héros folk touareg, connaît bien la vie nomade. Être constamment sur la route pour sa musique tout en se déplaçant perpétuellement dans la région du Sahel en Afrique fait partie de son ADN. Aussi, lorsque la pandémie a bouleversé le monde, Bombino s’est retrouvé dans une zone inhabituelle : rester au même endroit. « J’ai l’habitude de voyager pratiquement toutes les semaines et j’ai été confiné pendant deux ans », explique-t-il depuis sa maison de Niamey, la capitale du Niger. « Le côté positif, c’est que j’ai repris contact avec mon pays et que j’ai passé du temps avec ma famille pour la première fois depuis longtemps. » C’est ainsi que nous arrive la suite de Deran, paru en 2018, un disque qui a fait de Bombino le tout premier artiste nigérien nommé aux Grammy Awards. Intitulée Sahel en référence à la région qui traverse l’Afrique d’Ouest en Est, de l’océan Atlantique à la mer Rouge, cette nouvelle collection de chansons est l’œuvre la plus personnelle, la plus puissante et la plus manifestement politique de Bombino. C’est aussi son album le plus divers sur le plan sonore, une qualité qu’il s’est efforcé d’atteindre dès le départ et qui est censée refléter directement l’entrelacs complexe de cultures et de peuples qui composent la région du Sahel elle-même. « Je pense tout le temps à la situation difficile des Touaregs, confie l’artiste, et bien que je l’aie toujours abordée dans ma musique, j’ai voulu lui donner une importance particulière dans cet album. » Pour donner vie aux chansons, Bombino a travaillé en étroite collaboration avec le producteur et mixeur gallois David Wrench (David Byrne, Frank Ocean, Caribou, Goldfrapp, Erasure ,The xx, Sampha), et s’est installé avec son groupe dans un studio à Casablanca pendant dix jours pour enregistrer l’album. « Bombino est un musicien incroyable, un des meilleurs avec lesquels j’ai travaillé », confie Wrench avec émotion au sujet du guitariste touareg. « Ce qu’il fait semble facile, mais c’est tellement complexe. C’est un style si raffiné, c’est tellement lui, c’est unique. Il y a toute cette histoire dedans, c’est dingue. » L’admiration est réciproque. Alors que Bombino a eu la chance d’avoir des guitaristes tels que Dan Auerbach et David Longstreth comme producteurs à ses côtés dans le passé, Wrench a apporté un nouveau degré d’expertise. « Ce que j’aime dans le fait de travailler avec David, c’est l’incroyable finesse de son oreille, l’immense concentration dont il fait preuve en studio, explique Bombino. Rien ne lui échappe. Même les plus petites choses attirent son attention et il se concentre sur les moindres détails du son. » À maintes reprises, Wrench a vu Bombino réaliser une prise étonnante en studio, puis y revenir « et la doubler pour qu’elle soit parfaite. Il opère à un autre niveau. » Les dix chansons qui composent Sahel abordent des thèmes aussi variés que le sort des Touaregs, la douleur d’un amour perdu ou les folies de la jeunesse. Le premier morceau, « Tazidert », prêche la patience alors que la musique elle-même incite à se lever et à bouger. L’entraînant morceau « Aitma » fait la part belle à la guitare pyrotechnique de Bombino. C’est un appel aux armes lancé dans sa langue maternelle, le tamasheq. « Défendons notre peuple, car nous sommes les mêmes, d’où que nous soyons »,dit-il en s’adressant aux Touaregs de toute la région. « Quand on regarde la situation dans chacun des cinq pays qui composent le Sahel (la Libye, l’Algérie, la Mauritanie, le Mali et une partie du Burkina Faso), le peuple touareg n’est pas représenté au sein des gouvernements. » Et ce n’est que tout récemment que la situation a changé au Niger. Sahel est tourné vers l’avenir et le passé, il s’agit d’un mélange de chansons nouvelles et anciennes, et chacune a trouvé un écho chez Bombino pour...

De l’île de La Réunion, en passant par Stevie Wonder ou l’île-de-France, nos invités enjambent les esthétiques et les frontières. Fabrice Martinez présente Stev’In My Mind dans la #SessionLive. Christine Salem et Dj Click parlent de leur album commun Mon Rési. #SessionLive Fabrice Martinez présente en 5tet la genèse du projet Stev’In My Mind. Genèse par Fabrice Martinez : Cela commence souvent par une rencontre. Celle du batteur Romaric Nzaou se fait à Pointe Noire, au Congo. On se découvre une admiration commune pour Stevie Wonder et sa discographie des années 1970. C’est l’étincelle qui rend possible un rêve d’enfant : je me lance alors dans une écriture nourrie des rythmes traditionnels africains. Le projet s’élargit à une équipe de choc empruntée à Alpha Blondy, Manu Dibango ou encore Alain Bashung. Stev’in My Mind était né. Et avec lui un nouveau rêve : Stevie Wonder foulant sa terre d’adoption ghanéenne, que l’on accueille au son de A Seed's A Star dans une rythmique de rumba congolaise, de kilombo, makossa, zebola... Titres interprétés au Grand studio - Black Man Live RFI voir vidéo - Boogie on Reggae Woman, extrait de l’album Stev’In My Mind - Do Yourself A Favor Live RFI. Line Up : Fabrice Martinez : trompette & bugle, Raymond Doumbe : guitare basse, Julien Lacharme : guitare, Bettina Kee : claviers et Romaric Nzaou : batterie. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Stev’In My Mind (Collectif la Boutique 2023). Stev’In My Mind Africolor 2022 voir clip. Puis nous recevons Christine Salem et Dj Click pour la sortie de Mon Rési. Les rythmes maloya et blues de Christine Salem rencontrent les machines de Dj Click, le pionnier de la scène Global Bass. Christine Salem vous fixe de son regard, un regard franc, de ceux qui ne mentent pas. Si, selon l’expression consacrée, « les yeux sont le miroir de l’âme », les siens racontent, son caractère comme son itinéraire. Constamment à l’affût des chansons à naître, car celles-ci peuvent surgir n’importe quand, n’importe où. Il faut alors savoir les saisir dans l’air. Dj Click a directement déchiffré cette manière de donner vie aux chansons, la transe, l’hommage aux ancêtres et même le blues (une première pour lui). Ce disque surprend par la variété de ses couleurs. L’âme de La Réunion, est amplement représenté par du maloya, du blues, de l’électro, de l’urban et même de la nourriture pour DJs. Comme Christine, Dj Click, le pionnier de la scène Global Bass, déteste la routine. On l’imagine aux confins du Rajasthan avec des joueurs de tablas ; il trace la route avec des musiciens tziganes du côté de Bucarest. On le perd à Essaouira sur un air de gnawa ; on le retrouve à Sevilla en pleine fiesta gitana. Surnommé Dj tout terrain, référence internationale en matière de métissage musical, DA, producteur sur son label No Fridge, il a produit une trentaine d’albums dans son studio et réalisé de stupéfiants remixes comme ceux de Manu Chao, Watcha Clan, René Lacaille, Mahala Raï Banda, Dhoad Gypsies of Rajasthan, Sofiane Saidi, Burhan Öçal, La Caravane Passe, High Tone, Issa Bagayogo, Zuco 103, Trad.Attack!, Rachid Taha… Explorateur infatigable armé de son studio mobile, Dj Click a enregistré Christine Salem en mars 2023, à la recherche de tempo et de spiritualité. Alors bien sûr, le maloya en créole, ou en swahili, la langue des aïeux, cimente cette collaboration. Mais aux fondements de ses chansons, il y a le blues, cette musique née de la terre, des douleurs et de l’histoire. Le chant de Christine incarne, à lui seul, ce style, « Mersi létèrnel mon kèr ». Titres joués : Malouwé (Cilaos Mix), La vie s’en va, Mama We, Malouwé (version acoustique) extraits de Mon Rési. ► Album Mon Rési (No Fridge / The Orchard 2023).

Spéciale île de La Réunion avec « Maloya, l’esprit des femmes », un documentaire signé Anne-Laure Lemancel et Séverine Nativel. Et réédition du seul disque du groupe réunionnais Carousel (1982) raconté par Loy Ehrlich. (Rediffusion) Notre 1 invité est Loy Ehrlich pour la réédition vinyle de l’unique album du groupe réunionnais Carrousel « La Vie est Un Mystère ». Babani Records et Kréol Art rééditent l'album La Vie Est Un Mystère du groupe réunionnais Carrousel, sorti en 1982. Dirigé par Loy Ehrlich, multi-instrumentiste, compositeur et producteur français, ce groupe était influencé à l'époque par les genres occidentaux contemporains tels que le blues, le reggae et le jazz, mais ajoutait sa propre touche tropicale en mélangeant des sonorités sega et maloya locales avec des paroles écrites en créole. Initialement sorti en 1982, cet album a été suivi d'une série de concerts dans toute l'île avant que Carrousel ne cesse ses activités. Cependant, en raison de ce projet en avance sur son temps avec ses fusions uniques et ses compositions intemporelles, le groupe s'est fait une place dans le cœur des habitants locaux ainsi que des amateurs de musique du monde entier. Nous, chez Babani Records, en collaboration avec Kréol Art, sommes heureux de rééditer cet album unique de ce groupe emblématique pour votre plaisir auditif. L'album a été restauré et remasterisé avec du matériel analogique par M.A. Spaventi, sous nos oreilles attentives et l'attention de Loy. Nous pensons avoir réussi à ramener à la vie le son unique que le groupe avait à l'époque, sans ajouter aucun autre artefact. Un projet visionnaire et une approche unique de la musique culturelle de l'océan Indien. Nous avons également soigneusement restauré l'œuvre de Jean-Luc Igot avec l'aide de Guimero. Vous pourrez profiter d'une version vinyle accompagnée d'une affiche de 60x30 cm. Les disques sont pressés et expédiés depuis l'île de La Réunion à partir du 21 juin via notre page Bandcamp et chez notre partenaire exclusif en matière de disques, Vinyl Run. Ce premier lot de 250 pochettes a été soigneusement imprimé sur du papier d'art de 300 g/m² à Maurice. Nous nous préparons également pour une sortie numérique complète sur les plateformes de streaming et les boutiques en ligne, qui aura lieu le 20 octobre. Montez à bord et profitez du voyage. Biographie CARROUSEL (1979-1983) Loy Ehrlich, multi-instrumentiste, a été invité à La Réunion en 1977 pour rejoindre les Caméléons. Ce groupe, composé de René Lacaille, Alain Peters, Bernard Brancard, Joël Gonthier et Hervé Imare, était chargé des enregistrements et des productions du studio Royal à Saint-Joseph, qui venait d'être créé à l'époque. En 1979, le groupe Caméléons cesse ses activités et, sous la motivation et la direction musicale de Loy, le groupe Carrousel voit le jour à l'Étang-Saint-Leu avec Alain Peters à la basse et au chant, Loy Ehrlich aux claviers et au chant, Bigoun à la batterie, Joël Gonthier aux percussions, Bruno Leflanchec à la trompette et Zoun à la flûte. En tant que nouveau venu sur la scène musicale de l'île de La Réunion, Carrousel se démarque des autres groupes de l'époque, encore sous l'influence des bals locaux, en proposant des concerts de musique originale estampillée "rock tropical", avec des instrumentaux et des compositions en créole posant les bases d'une fusion entre maloya, séga, rock, jazz et reggae. Pour se faire connaître, ils organisent une tournée de concerts gratuits à travers l'île et se produisent notamment en première partie du groupe Téléphone au Stade de l'Est en 1980. En 1981, le groupe se sépare de Zoun et Alain Peters. Une deuxième formation de Carrousel voit alors le jour avec Teddy Baptiste à la guitare, Kiki Mariapin à la basse, Jean Claude Viadere au chant et Tot au saxophone. La reconnaissance du public se fait peu à peu et en 1982, ils sortent leur premier et unique album "La vie est un mystère", suivi de nombreux concerts sur l'île. Un dernier concert au théâtre de...

L’un des créateurs de la bande son du Londres de la fin des années 70 s’appelle Don Letts. Ce Dj producteur et cinéaste sort un 1er album sous son nom Outta Sync à l’âge de 66 ans. (Rediffusion) Don Letts est le 1 de la série vidéo #secreticône avec RFI Vidéos voir la vidéo. Qu'il s'agisse de travailler avec des artistes comme The Clash et Bob Marley, de mélanger les genres avec Big Audio Dynamite, de présenter sa propre émission de radio sur BBC6 Music, de gagner un Grammy et de recevoir un doctorat honorifique pour sa contribution à la culture, Don Letts semble avoir tout fait. En effet, avec la sortie de son autobiographie à succès « There and Black Again » l'année dernière et « Rebel Dread », un film retraçant sa vie sortie cette année, on pourrait penser que c'est le cas. Mais il y a une chose que le polymathe de 66 ans n'a pas faite... jusqu'à maintenant. Aujourd'hui, Don Letts partage Outta Sync, son premier titre en tant qu'artiste solo et le premier aperçu de son premier album, également intitulé Outta Sync, qui a été produit par Gaudi et est sorti le 28 avril 2023. L'album, qui a suivi le single au printemps 2023, est un cocktail enivrant de rythmes de basse lourde, de vibrations insulaires et de mots parlés juxtaposés à des accroches et des harmonies mélodiques. L'album est exactement ce que l'on attend d'un projet de Don Letts. Outta Sync, le titre de l'album, est également remarquable car il s'agit de l'une des rares chansons à présenter une vie aussi riche en histoires en un seul couplet : « Maintenant, à cause de ma dualité, élevé sur la pop et la basse, ça ne m'a pas vraiment dérangé, parce que tout est question de goût, je suis la génération vinyle, et c'est comme ça que j'ai commencé, en combinant les vêtements et la musique, et je l'ai transformé en art. » Et ce n'est que l'introduction ! Don poursuit sa réflexion sur le monde changeant qui l'entoure et sur ses propres perceptions changeantes. Ironiquement, il n'avait pas vraiment l'intention de faire sa propre musique. Mais le confinement a frappé et son vieil ami, Youth, producteur et bassiste de Killing Joke, l'a encouragé à essayer, lui envoyant même quelques lignes de basse pour travailler, mais Don n'était pas entièrement convaincu. Cela change lorsqu'il travaille en studio avec le légendaire producteur de dub anglo-italien Gaudi, un autre ami de longue date de Don, connu pour son travail avec Steel Pulse, Lee « Scratch » Perry et Horace Andy, pour ne citer qu'eux. Le duo a produit un remake de 'Sightsee MC' de Big Audio Dynamite pour le groupe post-punk Megative, inspiré par le dub. Ils ont ensuite collaboré à un remix dub du classique de B.A.D. 'E=MC2' pour la compilation Late Night Tales 'Version Excursion' de 2021. Don et Gaudi ont eu un déclic sonore et ont fini par travailler ensemble dans le studio londonien de Gaudi pendant neuf mois, naviguant à la fois entre le confinement et la vision orchestrale de Don. Le résultat est le premier album solo de Letts, qui sortira l'année prochaine, produit et co-écrit par Gaudi. Avec ses onze titres, pour la plupart écrits par lui-même, Outta Sync reflète la myriade de ses goûts et intérêts, ainsi que sa vision unique du monde. Il met également en lumière un éventail intrigant d'invités : le légendaire Terry Hall des Specials, Wayne Coyne des Flaming Lips fait une apparition, tout comme la reine du rock en amoureux Hollie Cook. Don a coécrit la chanson « Situationist » avec Zoe Devlin Love, anciennement d'Alabama 3. La fille de Don, Honor, reste dans la famille et chante sur le groove électronique « Civilization » aux accents de sitar. Gaudi complète le tout en jouant du piano et des synthétiseurs sur l'ensemble de l'album. Collectivement, c'est un instantané de qui est vraiment Don Letts ici et maintenant. Letts dit : « pour le meilleur ou pour le pire, c'est moi, même si je ne dis pas que j'ai tout compris, comme le reconnaissent les paroles du refrain du single. En fin de compte, l'album est une...

Spéciale Lou Reed, prince des angoisses et de la nuit (Andy Warhol) à l’occasion des 10 ans de sa disparition et Clara Ysé dans la #SessionLive pour la sortie du 1er album Oceano Nox. Sophian Fanen évoque la carrière de Lou Reed, né le 2 mars 1942, à Brooklyn (New York) et mort le 27 octobre 2013 à East Hampton (Long Island, New York). L’auteur-compositeur-interprète américain a commencé sa carrière avec le groupe The Velvet Underground, groupe résident de la Factory, un atelier d’artistes créé par Andy Warhol en 1964. Bio officielle Universal Inventeur du rock adulte des années 1970 avec The Velvet Underground, Lou Reed reste l'auteur d'une carrière en solo unique. Sorti de l'ombre avec l'album Transformer et le hit « Walk on the Wild Side » en 1972, le rocker new-yorkais s'attache au fil des albums à dessiner les contours d'un rock urbain. Après le majeur et déprimant Berlin (1973), le porte-parole des marginaux poursuit une carrière cahotique, alternant le meilleur (Rock'N'Roll Animal) et l'expérimental (Metal Machine Music). En 1989, sort l'ode définitive à sa ville (New York) et l'année suivante avec son ex-partenaire John Cale, l'ultime hommage à son mentor Andy Warhol (Songs for Drella). Par la suite, le mari de Laurie Anderson flirte avec les expérimentations au hasard de The Raven ou du projet Lulu, avec le groupe Metallica (2011). Sa disparition, quelques mois après une greffe du foie, le 27 octobre 2013, cause un grand émoi et laisse un vide immense. Titres Lou Reed - The Velvet Underground, Pale Blue Eyes, tiré de l'album The Velvet Underground (MGM Records, 1969) audio - Satellite of Love, tiré de l'album Transformer (RCA Victor, 1972) vidéo - Sad Song, tiré de l'album Berlin (RCA Victor, 1973) vidéo - Charley's Girl, tiré de l'album Coney Island Baby (RCA Victor, 1976) - Street Hassle, tiré de l'album Street Hassle (Arista, 1978) vidéo. Puis la #SessionLive reçoit Clara Ysé pour la sortie de son 1 album Oceano Nox Clara Ysé. C’est, d’emblée, une voix. Une voix qui soulève le sable, traverse le feu, transperce la nuit, franchit en souveraine des continents de sentiments et transporte avec elle la douleur autant que ses remèdes. Elle est ce « joyau intact sous le désastre » de Mallarmé, pierre brute inamovible malgré le chaos, miraculeux talisman resplendissant sur des musiques elles aussi serties de beauté et de bravoure. Après un discret tour de piste en 2018 – six titres en français et en espagnol, dont le magnétique Le Monde s’est dédoublé – Clara Ysé s’avance enfin en pleine lumière, à pleine puissance, avec Oceano Nox, premier album à la grande audace, écrit et composé par elle, co-réalisé avec Ambroise Willaume (Sage), mixé par Renaud Letang et porté en battante avec des musiciens et un chœur au diapason. Depuis l’enfance, elle joue et chante, un violon entre les mains alors qu’elle savait à peine marcher, puis éduquée au chant à huit ans, avant de grandir en soprano et de tracer une route parallèle vers la chanson à ses études au Conservatoire et à son master de Philosophie. Parvenue à l’entrée de la trentaine, Clara Ysé possède ainsi derrière elle une longue traîne d’expériences et de sensations mêlées, de plaisirs sédentaires à mettre des poèmes en musique, mais aussi de voyages et de mariages artistiques qui imprègnent désormais son art incandescent et troublant. Frappée par un drame, il y a quelques années, c’est en Amazone qu’elle réapparait, au galop contre l’emprise du deuil, qu’elle sait chanter sans démonstration (Lettre à M) et dont elle s’effeuille du poids avec la légèreté d’une luciole (La maison). À ceux qui seraient frappés par sa douceur, elle répond, dans la chanson qui porte ce nom « Si tu savais la haine qui coule dans mes veines, tu aurais peur, si tu savais la chienne que je cache à l’intérieur… ». Passionnelle comme les aïeuls espagnols qui la précèdent, littéraire par atavisme (elle doit l’Ysé de son double prénom au Partage de Midi de Claudel), elle a publié un...

Le label français Born Bad Records sort une compilation de raï oranais « À Moi La Liberté, 83-90, Early Electronic Raï ». Rabah Mezouane, auteur du livret raconte ces années folles et électriques. Puis la #SessionLive reçoit Mohamed Lamouri pour la sortie de son 2ème album Méhari. (Rediffusion) Raï canal historique. Fouillant au plus profond des entrailles du raï, voilà une compilation qui évoque ses folles années et s’entend comme une cure de jouvence pour le genre oranais, version sulfureuse et souterraine. Très belle idée, donc, de puiser dans des cassettes introuvables pour confirmer que c’est dans les vieilles marmites oranaises que l’on trouve le bon raï. Il y a à peine 50 ans, personne n’aurait parié un centime sur un genre condamné à tourner en rond en Oranie, sa région d’origine, niché au fond d’une de ses nombreuses discothèques tapissant la corniche oranaise. Dans ces lieux de vie underground, des chanteurs à orchestration minimaliste, faute d’espace, faisaient pleurer dans leur bière (ou rigoler dans leur whisky… Sec) un public toujours excité par des chansons transgressives, sonnant comme un défi à l’ordre moral et bien-pensant, sur fond de trompette, guitare électrique, accordéon et percussions diverses. Au cours de ces années pré et post-indépendance (1950-1970), le raï s’est urbanisé grâce à une génération qui aurait grandi entre bitue et béton, au son de la flûte traditionnelle, mais aussi et surtout à l’écoute du twist, de la variété française et du rock. Ils se nommaient Boutaïba S’ghir, Messaoud Bellemou, Groupe El Azhar, Younès Benfissa ou Zergui, et ils lègueront aux Chebs (jeunes) qui ont pris la suite, leur bouquet de chants qui vont retrouver une seconde jeunesse. Oran, la capitale de l’Ouest algérien, en sera le centre névralgique. Playlist - À Moi La Liberté Cheb Hindi - Ki Kount Ouelite Chaba Fadila - Mohal Nahna Cheb Djalal - Sid Houari Ya Mlah Chaba Malika Meddah. ► Album À Moi La Liberté (Born Bad Records 2023). Puis nous recevons Mohamed Lamouri dans la #SessionLive pour la sortie de l’album Méhari. Connu pour ses inénarrables adaptations de tubes planétaires en arabe (Billie Jean, Hotel California, Master Blaster...) et comme l'interprète numéro 1 du répertoire de Cheb Hasni, Mohamed Lamouri a une voix rauque, tendue, patinée à l'excès, graissée à l'underground algérien des années 80's. Ça n'est pas dans les codes du chanteur oriental une voix si rocailleuse: Lamouri c'est plutôt piment que miel, rapporté à la variété internationale, on pense à Paolo Conté, Tom Waits, Arno. Mohamed Lamouri chante le raï sentimental. Parisien d'Algérie, il se produit dans les wagons de la ligne 2 du métro parisien depuis le début des années 2000. Méhari se présente comme un road-trip à demi rêvé de onze titres, dont six originaux de Mohamed Lamouri. Méhari est son deuxième album. Mohamed Lamouri chante beaucoup plus qu'il ne parle. Dans son quotidien de rame, on passe et on l'écoute, et lorsqu'enfin on l'enregistre, on est époustouflé par la justesse de ses prises, les émotions qu'il procure aux mélodies, et même son groove aux percussions : le flux de musique qui s'échappe de cette personne est tout simplement extraordinaire: un être à part haut perché sur son paradigme raï franco-algérien. Dans la rue à Paris comme à Marseille, on le helle 'oh Hasni ! viens boire le thé !', et on se remémore le dernier concert de la légende au stade d'Alger en 1993 : Mohamed Lamouri, en tant que juke-box vivant de Cheb Hasni, est comme un marqueur culturel à lui tout seul, gardien du son d'une génération. Son histoire est longue : 'sans papiers', mal voyant autonome, la vie dure et l'optimisme sans faille, les chansons composées et sans cesse affinées à l'épreuve d'un public urbain sans cesse renouvelé. Son premier album Underground Raï Love sort au printemps 2019, et certains de ses titres se jouent en boucle à la radio (Nova en tête), ses reprises de Cheb Hasni et ses propres compositions aux...

Nos invités ont des envies d’ailleurs. Nicola Son sort son 5ème album Pas de Panique, un nouvel album qui garde l’empreinte de la bossa et Lena Deluxe se balade dans l’archipel du gamelan pour produire l’album Santaï (relax en bahasa indonésien). Notre 1 invité est Nicola Són, qui présente l’album Pas de Panique Pas de Panique, 5ème album de Nicola Són, va chercher des inspirations au-delà de la musique brésilienne de ses premiers albums, en flirtant avec le reggae, la cumbia, la musique africaine, dans un esprit plus pop et moderne. Nicola Són est né à Paris, mais a vécu au Brésil pendant plusieurs années jusqu’en 2018. Depuis son 1er album, il a gagné auprès des médias brésiliens le titre du « plus brésilien des chanteurs français ». Après une trilogie où il a exploré les particularités rythmiques de différentes régions du Brésil, un 4ème album – Piaf do Brasil – en forme de relecture des plus grands succès d’Édith Piaf, Nicola Són sort Pas de Panique en 2023. Ce 5ème album va chercher des inspirations au-delà de la musique brésilienne de ses premiers albums, en flirtant avec le reggae, la cumbia, la musique africaine, dans un esprit plus pop et moderne. Le défi de Nicola Són est toujours de faire swinguer la chanson française, en s'inspirant de musiques d'ailleurs, comme avait réussi à faire Gainsbourg en son temps dans ses premiers albums (Nº2, Nº4 ou encore Percussions). Accompagné du même producteur brésilien, Márcio Arantes (primé au Latin Grammy Awards en 2021), qui avait réalisé son tube « Amanhã já era » - playlist France Inter 2018, Nova Tunes 3.8, FIP, Cosmo en Allemagne) - Nicola Són présente donc un album résolument français, latin et pop. Titres interprétés au grand studio Parasite Live RFI Pas de Panique - voir le clip Juanita Bonita Live RFI Line Up : Nicola Són, chant/guitare, James Müller, batterie, Ricardo Feijão, basse, Ludwig Gorhan, saxophone et Caetano Malta, MPC / clavier. Son : Benoît Letirant, Matthias Taylor. ► Album Pas de panique (Joao Del productions 2023). Puis nous recevons Lena Deluxe, pour la sortie de l’album Santaï Lena Deluxe est une autrice-compositrice, multi-instrumentiste, originaire de Roubaix. Sa passion et la magie des rencontres l'amènent à se faire remarquer par le producteur américain Henry Hirsch (Lenny Kravitz, Mick Jagger, Madonna...) qui lui propose d'enregistrer son premier album à New York dans une église transformée en studio entièrement analogique. Ce premier album Mirror for heroes est sorti en mai 2015. Après la tournée de son album Mirror For Heroes, Lena décide de partir à l'aventure autour du monde à la recherche de nouvelles inspirations. Arrivée en Indonésie, elle est accueillie dans une communauté d'artistes dans un petit village près de Yogyakarta. C'est là-bas qu'elle compose et enregistre son deuxième album Santaï accompagnée de musiciens indonésiens. Titres interprétés au grand studio Santaï Live RFI + RFI Vidéos Animals, extrait de l’album Santaï voir le clip En Haut Des Cimes Live RFI + RFI Vidéos Line Up : Ipin Nur Setiyo, guitare, Victor Philippe, basse, Agathe Lefebvre, guitare, choeurs, Mathis Urai, battterie, Léna Deluxe, chant, synthés. Son Alice Mesnard et Benoît Letirant. ► Album Santaï (Harmonie Records / Daydream Music 2023).

La #SessionLive reçoit 2 groupes qui viennent d’Allemagne, Muito Kaballa (Cologne) et Nneka (qui a un pied au Nigeria). Notre 1 invitée est Nneka, pour la sortie de l’EP Back & Forth Pour Nneka, Back and Forth est une réflexion sur la recherche de soi au milieu des difficultés que l'on peut rencontrer en cherchant l'amour à l'extérieur de soi. La recherche du vrai bonheur chez les autres nous rappellera toujours que nous ne serons pas comblés tant que nous ne nous accepterons pas nous-mêmes et que nous n'aimerons pas Dieu à l'intérieur de nous. Toutes les rencontres qui peuvent nous faire souffrir sont comme des alarmes qui nous rappellent que nous sommes légèrement décalés par rapport à notre centre d'amour. En fin de compte, ces rappels sont nécessaires et peuvent être appréciés et utilisés comme des outils pour nous aider à revenir sur la bonne voie. La chanson est une source de santé et de guérison pour tout le monde. Dansante et légère, elle est facile à écouter et la sensation de brise nous donne un sentiment d'espoir que l'amour (Dieu) est toujours là. Artiste, militante, auteure-compositrice - interprète, érudite, survivante : Nneka Egbuna a toujours cherché à consolider tous les aspects de son identité dans ses compositions. Écoutez n'importe lequel de ses quatre précédents albums solo et vous pourrez entendre cette combinaison de conviction et de courage en action, une approche créative audacieuse qui a attiré des admirateurs et des collaborateurs aussi divers que Nas, Damian Marley, Chase & Status et Rita Ora. Et pourtant, jamais les espoirs et les craintes de Nneka n'ont été rendus de manière aussi vivante et convaincante que dans ce nouvel EP. Titres interprétés au grand studio - Back and Forth Live RFI - X-Ego, extrait de l’EP Back & Forth - Suffri Live RFI Line Up : Nneka, guitare-voix. Son Alice Mesnard et Benoît Letirant. ► EP Back & Forth (Yo Mama/Sony 2023). Puis nous recevons le groupe allemand Muito Kaballa pour la sortie de l’album Like a river. Muito Kaballa est un groupe de Cologne (Allemagne) biberonné à l’afrobeat, funk, jazz… Like a river est clairement un album conceptuel qui traite des transitions et des séparations, en abordant des idées comme quoi à 30 ans, il faut absolument avoir des enfants, une maison et une voiture, ou des idées sur la façon de vivre les relations et l'amour. Se séparer de ces idées ou les surmonter peut être un défi. Le résultat peut être ambivalent, car la séparation d'une idée vous laisse quelque peu sans orientation. Il peut s'avérer nécessaire de s'écarter de la route « droite » et de suivre un chemin différent, comme une rivière. Un album axé sur les moments de transition dans la vie et la séparation des idéaux sociaux enracinés, Like A River est ancré autour de trois mouvements de « Like A River Parts I-III » qui agissent comme la source, le milieu et la fin du disque s'articule autour des trois mouvements de « Like A River Parts I-III ». Accompagné d'un film dont ces mouvements constituent la partition, il s'agit d'une réussite en matière d'écriture et d'arrangement collectif, qui intègre des influences très diverses allant de l'afrofunk au jazz contemporain en passant par le gnawa et la rumba. Alors que leurs albums précédents étaient principalement liés à l'afrobeat et abordaient des sujets tels que l'égalité sociale, la politique sociale et le changement climatique, The Afrofunk est un album qui s'inscrit dans la lignée des albums précédents, l'égalité sociale, la politique raciale et le changement climatique, Like A River est un album conceptuel qui adopte une approche plus intime et personnelle. Des titres comme « Like A River Part II » plongent dans un psychédélisme tourbillonnant centré sur un groove 12/8 exploratoire, tandis que « Carry Me » s'éloigne subtilement des sons analogiques des années 70 privilégiés par le groupe, en combinant des paysages sonores de synthétiseurs pleins de corps avec des arrangements de cuivres euphoriques. Le...

Rdv des musiques monde et vagabondes avec le duo franco-arménien de Lille, Ladaniva et 5 garçons dans le vent + une jeune femme dans le massif de la Chartreuse, Tram des Balkans & Mélissa Zantman. Nos premiers invités sont Jaklin Baghdasaryan et Louis Thomas du duo Ladavina qui présentent leur 1 album Ladaniva. Une musique-monde d’une richesse rare, qui réinvente ce que l’on appelle trop étroitement le folklore des Balkans, et qui dynamise – si ce n’est dynamite – le format pop anglo-saxon. C’est le secret de la musique de Ladaniva, qui se résume aussi en une rencontre improbable, un soir, lorsque deux astres ont décidé de lier leur trajectoire musicale : Jaklin et Louis. Leur histoire est aussi intense que leur musique. Jaklin et Louis auraient bien pu ne jamais se rencontrer. Et puis il a suffi d’une nuit, dans un bar lillois transformé en scène jam, pour que le second flashe sur la voix de la première. Elle, c’est Jaklin Baghdasaryan. Née en Arménie, élevée en Biélorussie, elle a toujours chanté, d’aussi loin qu’elle se souvienne. À six ans, elle se met au piano. À sept ans, elle s’inscrit dans une école de musique. Mais après le bac, ses études artistiques ne la comblent pas, n’étant pas assez consacrées au chant. Avec sa mère, elle quitte la Biélorussie pour une vie meilleure en France. Ce n’est pas facile, malgré le soutien de la communauté arménienne. Mais Jaklin sait qu’elle peut ici – littéralement – trouver sa voix. Alors qu’elle vit dans un foyer pour femmes seules, elle décide un soir de braver le couvre-feu pour se rendre à une jam session… Ce soir-là, ils ne se parleront pas, même si sa prestation a épaté Louis Thomas. Lequel a commencé à jouer de la trompette à sept ans. Sa mère est pianiste, et il a suivi les cours de l’école de musique de Quesnoy-sur-Deûle avant de devenir illustrateur. Or, ce multi-instrumentiste est accro aux jams, tant et si bien qu’il décide de s’y consacrer pleinement. Actif dans plusieurs formations, il voyage, rapporte des souvenirs sonores du Mali, de Colombie ou de La Réunion – qu’il fera plus tard découvrir à Jaklin. C’est dans les couloirs du Conservatoire de jazz de Lille que ces deux-là se recroisent et se rapprochent. Un beau jour, Jaklin chante spontanément sur une musique traditionnelle arménienne, et Louis a le déclic : c’est dans ce répertoire, si riche et intense, qu’il faut puiser, sans oublier tout ce qui les réunit. De Louis Armstrong aux Mystères Des Voix Bulgares, de Chopin à Ella Fitzgerald, de Rachmaninov à Brassens. Le reggae, le gnawa, le maloya… et, bien sûr, le grand chantre arménien Komitas. Le tout est aspiré, transcendé, savamment façonné par Jaklin et Louis, à la plume comme à la composition. Devenu un hymne qu’on chante à toutes les fêtes dans la diaspora arménienne, leur single paru en 2020, « Kef Chilini » cumule plus de 27 millions de vues sur Youtube. ll sert de déclic mondial pour la reconnaissance du groupe, qui, en 2023, tourne aux États-Unis, du festival South by Southwest à Los Angeles. Grâce à Voyou, complice de longue date de Louis, ils sont repérés par [PIAS]. Dans la foulée, ils rencontrent un tourneur par le biais du réalisateur de leur clip Vay Aman, et se produisent en concert dans toute la France, et même en Arménie en plein Covid. La pandémie est à peine passée qu’ils s’attellent à un premier album. Qui portera, tout simplement, le patronyme du groupe qu’ils ont choisi sur un coup de tête, le jour où ils ont posté une reprise (à leur sauce) extraite du corpus folklorique arménien sur Youtube. Ladaniva, du nom d’un 4x4 russe prisé des Arméniens, qu’a conduit le père de Jaklin… mais aussi, étonnamment, celui de Louis ! Coloré, kitch et décalé, tout terrain, il s’accorde parfaitement à la vision contrastée du duo. Mi-traditionnelle, mi-pop, majoritairement arménienne et parfois infiltrée de francophone. Hybride et métissée, elle prêche la mélancolie balkanique comme le groove créole, et, habitée par des échos hip hop et des ambiances...

Harpiste, pianiste, compositrice, auteure, Cécile Corbel présente La Fille du Verseau et Inger Nordvik Hibernation en piano-voix dans la #SessionLive. Notre 1 invitée est originaire de Bretagne (Finistère), c’est Cécile Corbel. Que faire avec DEA d’archéologie de l’École du Louvre ? De la musique pardi ! Musicienne autodidacte, compositrice, auteure de chansons et musiques de films, harpiste celtique et chanteuse. Cécile Corbel a sorti 12 albums sous son nom depuis 2005 : 5 en indépendant, 4 avec Universal Music (dont la bande originale du film Terre Des Ours - Paramount), 2 à l'international (Yamaha -Tokuma) dont la BO du film d'animation des Studios Ghibli « Arrietty le Petit Monde des Chapardeurs », d'où une belle notoriété au Japon et en Chine. + de 1 000 concerts sur scène dans + de 20 pays depuis 15 ans, en France, Europe et Asie : Festival Rock In Japan, Tokyo Opera City Hall, Blue Note Tokyo, Billboard Osaka, Auditorium Stravinsky Montreux... Et 2 tournées en Chine 2017 et 2019. Le nouvel album La fille du Verseau est concocté avec la complicité de Laurent Tixier à qui l’on doit les textes des chansons, compositions musicales, flûte sub-contrebasse, flûte Renaissance, percussion et textes du livret (Vendée). Cécile Corbel et Laurent Tixier. Tout d’abord, deux artistes : L’une au nord (Cécile Corbel), sous les contreforts des Monts d’Arrée que préside Saint-Michel de Braspart (en Bretagne). L’autre au sud (Laurent Tixier), sous les Monts Mercure qu’illumine Saint-Michel Mont Mercure (en Vendée). Deux artistes sur un même territoire que seul traverse, « Yprésis », le nom préhistorique de la Loire. Cécile Corbel et Laurent Tixier se sont retrouvés sur le dos du Dragon pour signer ensemble une œuvre qui scelle une nouvelle alliance dans ce qui deviendra peut-être un jour, « la Nouvelle Armorique », tant il est vrai que les liens culturels sont étroits de la tête à la queue du dragon. Si le passage ... n'est pas sage, c'est pourtant bien vers une nouvelle ère d'un point de vue astrologique que l'humanité est appelée à se hisser. La fille du Verseau qui pressent ce changement de paradigme au fond de son être, cherche à s'accorder, à se relier et se mettre au diapason pour faire partie du nouveau monde, spirituel et fraternel. Tantôt historiques ou spirituelles, parfois engagées dans l'actualité́, les chansons de Cécile Corbel et Laurent Tixier se veulent avant tout, vivantes. Cécile sait porter haut le verbe avec sa voix envoûtante, hors du commun, même. Une voix qui raconte ou plutôt, qui incarne ses chansons. Nous sommes les enfants d'un futur que nous avons déjà dessiné dans nos pensées. Titres joués La fille du Verseau, Dorso Draco, Lycanthrope et Fidelium. ► Album La Fille du Verseau (EnPhases 2023). Puis la #SessionLive reçoit l’artiste norvégienne Inger Nordvik pour la sortie de l’album Hibernation Élevée au son des mélodies populaires nordiques et formée au prestigieux Barratt Due Institute d’Oslo où elle a initialement suivi un cursus en chant classique, il était évident qu’avec des influences comme Joni Mitchell, Jeff Buckley ou les Beatles, Inger Nordvik allait s’épanouir ailleurs que dans un environnement strict et académique. Après avoir achevé ses études, Inger s’est rendue à Berlin, une ville qui l’a énormément inspirée et où elle a trouvé des musiciens dans le même esprit pour travailler. C’est ainsi qu’est né son 1 album Time, en 2020. Puis le Covid a fait son apparition. Et c’est au bord d’un fjord qu’Inger a peaufiné Hibernation. Titres interprétés au Grand studio - Go Back Live RFI - Secret, extrait album voir le clip - Echo Live RFI voir le clip. Line Up : Inger Nordvik, piano voix Son Mathias Taylor, Benoît Letirant ► Album Hibernation (Asta Rd 2023).

#SessionLive Cap Caraïbes avec un groupe de Gonaïves (Haïti) Chouk Bwa qui fait route commune avec le duo électro belge The Angströmers et la violoniste cubaine Yilian Canizares. Suite au succès de leur 1 album collaboratif Vodou Alé (2020) Chouk Bwa & The Ångströmers, sortent leur 2è album intitulé Somanti. Cette réunion mêle les puissants rituels vaudou d’Haïti à une musique électronique et du dub captivant. Les 2 groupes proviennent de traditions très différentes. Chouk Bwa est originaire de Gonaïves, berceau du vaudou haïtien et lieu de naissance de l’indépendance du pays. Leur mizik rasin (musiques racine) est imprégnée de la spiritualité profonde des temples lakou, de l’histoire révolutionnaire de leur ville natale et de l’héritage africain de son peuple. Le duo basé à Bruxelles, The Ångströmers, canalise sa passion pour la musique concrète, le dub, le hardcore et l’industriel, ainsi que sa connaissance experte de toutes sortes d’équipements électroniques analogiques. Les 2 groupes sont unis par leur capacité à plonger leurs auditeurs dans une transe extatique. Alors que Vodou Alé se concentrait sur de nouvelles compositions et des chansons narratives, Somanti est un album de rituel. La plupart des morceaux sont basés sur une musique cérémonielle avec des paroles traditionnelles révélant des proverbes sages. Il est important pour les musiciens de préserver la complexité et la solennité de l’aspect religieux. La musique de Chouk Bwa est entièrement acoustique : c’est le son du bois, de la peau, du métal, de la corne et de la voix humaine chantant en créole haïtien. Cette musique renferme de forts souvenirs culturels et des rythmes, avec ses invocations des terres ancestrales – les royaumes africains d’Oyo, du Kongo et du Dahomey – et les proclamations tonitruantes des esprits vodou transcontinentaux de Legba, Ogou et Inan. Il y a de la joie dans les chansons, mais aussi un côté plus sombre, une rage empathique témoignant de l’injustice et plaidant en faveur des pauvres du monde. Titres interprétés au grand studio - Fey Nan Bwa Live RFI RFI Vidéos - Sala, extrait de l’album Somanti - Somanti Live RFI RFI Vidéos. Line Up : Maloune Prevaly, chanteuse, Jean Rigaud Aimable, tambour, choeur, Frédéric Alstadt, électro, Nicolas Esterle, électro, Gomez Henris, lead chant, tambour, fer, Sadrack Merzier, tambour, choeur. Son : Mathias Taylor et Benoît Letirant. ► Album Somanti (Les Disques Bongo Joe / L’Autre Distribution 2023). Concert 5 novembre 2023, Aubervilliers, Villes des Musiques du Monde. Puis nous recevons la violoniste cubaine Yilian Canizares pour la sortie de son nouvel album Habana-Bahia. Yilian Cañizares poursuit son tour du monde des africanités en exil. En 2019, pour graver l’album Erzulie, elle s’était installée à la Nouvelle-Orléans ; elle y avait retrouvé les mémoires vives de la créolité, du vaudou haïtien, du jazz cosmopolite et du funk sudiste. Aujourd’hui, pour Habana-Bahia, elle choisit une autre capitale des identités noires: Salvador de Bahia, et surtout un quartier en particulier, Candeal, qui concentre toute l’électricité d’une métropole, ses esprits et ses tambours. Candeal ressemble aux zones franches, aux outre-mondes décrits dans les livres de Jorge Amado. Les immenses fresques de graffiti dessinent sur les murs des épopées modernes, les orchestres du bloco afro tapissent l’espace sonore. Et l’âme incandescente du musicien Carlinhos Brown veille sur ces rues qui abritent un épicentre culturel. Yilian a demandé à un très proche de Brown d’assurer la direction musicale de l’album : Alê Siqueira. Alê Siqueira a non seulement obtenu un Grammy Award pour les architectures musicales qu’il a bâties dans l’album Tribalistas. Mais il a aussi façonné des univers pour Tom Zé, Chico César, Caetano Veloso et la scène internationale, de Cheikh Lô à Omara Portuondo. Ce que Yilian Canizares cherchait en lui, c’est la maîtrise absolue des textures bahianaises mais aussi une vision contemporaine, des...

Plongez dans les univers captivants d'Elisapie et de Jeremy Dutcher. Laissez-vous enivrer par le souffle du Grand Nord et du New Brunswick avec les albums Inuktitut et Motewolonuwok. Avant de commencer l’émission, voici quelques infos sur les cultures autochtones du Canada : Il y a 3 branches différentes d’autochtones au Canada : - 1) Premières nations : Mohawk, mig’maq, Abenaki... (Jeremy Dutcher) - 2) Métis - 3) Inuit (Elisapie). Pour ne pas se tromper, on dit : Autochtone La langue des Inuit est le Inuktitut : Inuk (singulier) / Inuit (pluriel) Elisapie se présente comme une Inuk du peuple inuit. Erreurs communes à éviter : Confondre les Innus et les Inuit - Les Innus viennent de la Côte Nord (Florent Vollant par exemple) / Les Inuit viennent du Grand Nord (Elisapie). Le Nunavik est la région tout au Nord du Québec. Le Nunavut est un territoire canadien. On ne dit pas la culture autochtone mais les cultures autochtones. Il y a plus de 50 langues autochtones au Canada, il y a 11 nations autochtones au Québec incluant les Inuit : Abénakis, Anishinabeg, Atikamekw Nehirowisiw, Eeyou, Wendat, Innu, Inuit, Wolastoqiyik, Mi’qmaq, Mohawk-Kanien'kehá:ka et Naskapi. Première invitée : Elisapie pour la sortie de l’album Inuktitut L’artiste venue du Grand Nord, Elisapie, est depuis plusieurs années une ambassadrice incontournable des voix autochtones, elle incarne une élégance musicale certaine et un féminisme en avance sur son temps. Avec ce nouveau disque, la chanteuse qui a grandi à Salluit, un petit village du Nunavik, la région la plus au nord du Québec revient sur son enfance et adolescence en explorant ses titres préférés qui l’ont vue s’émanciper en tant que femme et en tant qu’artiste. Le défi était grand de revisiter ces chansons intemporelles de groupes ou d’artistes légendaires. Pourtant, qui peut prétendre à autant de délicatesse que dans ce titre Uummati Attanarsimat (Heart of Glass), reprise de Blondie ou ce Taimangalimaaq (Time After Time), de Cindy Lauper ? Ces classiques réinterprétés de Queen, Pink Floyd ou Rolling Stones sont chantés en Inuktitut, sa langue natale. De cette traduction, découlent une force et une poésie inédite. Dans cette playlist de jeunesse, Elisapie raconte son parcours, ses joies et ses peines, sa détermination aussi tout en faisant résonner sa culture avec finesse, en conjuguant modernité et tradition. De ses années passées dans l’Arctique, Elisapie a gardé les souvenirs de ses premiers amours, a été témoin des effets du colonialisme sur sa collectivité et a dansé jusqu’au bout de la nuit au centre communautaire du village. À l’adolescence, elle se produit sur scène avec ses oncles, eux-mêmes membres de l’illustre groupe de rock’n’roll inuit Sugluk (aussi appelé Salluit Band). À 15 ans, elle travaille à la station de radio du village et parvient à décrocher une entrevue avec Metallica. Jeune femme brillante et ambitieuse, elle s’installe à Montréal pour étudier et, finalement, faire carrière dans la musique. Aujourd’hui, l’auteure-compositrice-interprète inuk est une figure incontournable au Canada. Activiste dévouée, Elisapie a créé et produit la première émission de télévision diffusée dans tout le Canada pour célébrer la Journée nationale des peuples autochtones. Son attachement inconditionnel à son territoire et à sa langue, se situe au cœur de son parcours créatif et donc de son œuvre. Cette langue millénaire incarne la rudesse de l’environnement et la beauté féroce du territoire inuit. Cet album est le fruit de tout cela : une constellation de souvenirs aussi sensibles qu’oniriques. À la sortie de Uummati Attanarsimat, Debbie Harry et Chris Stein, membres de Blondie, acclament toute la beauté de cette version de Heart of Glass. Titres joués - Uummati Attanarsimat (Heart of Glass) Blondie voir le clip - Qimmijuat (Wild Horses) Rolling Stones voir le clip - Isumagijunnaitaungituq (The Unforgiven) Metallica voir le clip - Qaisimalaurittuq (Wish You Were Here) Pink...