Musiques du monde - Playlist "fete de la musique" et entretien avec Poirier Dj et producteur de Montreal

#SessionLive x 2 avec l’auteure, interprète, compositrice réunionnaise Ann O’Aro & la harpiste, chanteuse et cheffe de chœur Sophye Soliveau. Notre 1 invitée est Ann O’Aro pour la sortie de son 3 album Bleu #SessionLive Après le premier album éponyme (Ann O’Aro), un album tournant autour de l’intime et des violences familiales, et le second (Longoz), qui propulse son trio (Teddy Doris au trombone, Bino Waro aux percussions), voici BLEU, troisième opus de la Réunionnaise Ann O’Aro. qui joue ici du piano pour accompagner son chant. Le maloya de l’île de La Réunion respire toujours hors des sentiers battus avec l’arrivée de Brice Nauroy, un quatrième musicien qui embarque le son avec ses « machines ». Pour Ann O’Aro : « Le quartet esquisse des ports, sacs de riz sur les ponts, cancrelats et corsaires pris dans des estampes où le sang est laissé à sa seule qualité de fluide. Ostinato et bourdons sous le chant perçant la brume et les ressacs d’une mer fielleuse, relents pianistiques couleur boîte à musique, trombone stridulant, éclats de tôle et cris du fer bouillant le long du staccato continu du pikér, commérages de bord de nuit et temps de latence, harmonie révocable et restituée. Paysages grignotés par la fièvre du néant, nostalgie de l'enfance bleue arguant le branchage sec des arbres de la terreur dans la ouate blanche. » Titres interprétés au grand studio - Lanbordaz Live RFI - Bouyon Lo Rosh, extrait Bleu - Vane Lo Sor, extrait Bleu - Lak Otab, Live RFI. Line Up : Ann O’Aro : chant, piano, Teddy Doris : trombone, chœur, Bino Waro : percussions et Brice Nauroy : machines. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Bleu (Cobalt 2024). Réalisation : Donatien Cahu. Puis nous recevons la harpiste et chanteuse Sophye Soliveau pour la sortie de son 1 album Initiation #SessionLive. Sophye Soliveau est chanteuse, harpiste et cheffe de chœur, d’origine guadeloupéenne. Son amour des musiques afro-américaines, du R'n'b à la soul, en passant par le gospel, a pris racine dès son enfance, et elle a approfondi ses compétences en suivant un enseignement classique. Du détournement qui nourrit ses improvisations, la recherche de guérisons et l'apprentissage de la liberté, naît INITIATION, son premier album. La fougueuse célébration d'un R'n'b voluptueux. INITIATION se caractérise par son orchestration épurée. Les cordes vocales de Sophye et celles de sa harpe s’unissent, s’élèvent sur fond de chœurs aériens et d’une rythmique basse-batterie au groove précieux et subtil venant magnifier un répertoire original aux inspirations profondément soul. Après un concert complet au festival Banlieues Bleues, la release party prévue le 26 avril 2024 à la Boule Noire est déjà complète ! Elle sera en tournée cette année dans toute la France. Titres interprétés au grand studio - Leave Live RFI voir le clip - Extraits Alice Coltrane & Dorothy Ashby - Can’t Sleep, extrait de Bleu voir le clip - Simple Pleasures Live RFI. Line up : Sophye Soliveau : harpe et voix, Eric Turpaud : basse et chœurs, Florian Mensah : batterie et chœurs. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Initiation (Why We Sing 2024).

Soirée intime avec Oum devant 500 personnes pour la sortie de Dakchi, live du 22 juillet 2023 à Marrakech. ► Facebook d'Oum. Pour célébrer ses dix ans de carrière à l’international, la chanteuse marocaine sort un album live, enregistré à Marrakech, qui replonge dans la magie de ses trois premiers disques, ici revisités sous d’autres lumières. L’occasion de se réapproprier ses racines pour s’inventer de nouvelles routes. Il y a des caps propices aux coups d’œil dans le rétroviseur, aussi bien qu’aux futures routes d’aventurière. Aujourd’hui, la chanteuse marocaine Oum fête les dix ans de sa carrière internationale. L’occasion pour cette audacieuse hors-piste, toujours mutante, en perpétuelle remise en jeu de ses identités avec ses intuitions pour seules guides, s’autorise un moment suspendu, le temps d’un souffle (de bougies), celui d’un bilan temporaire, d’un retour sur ses racines et ses ramifications... Pour décrire cette décennie, elle préfère le « nous », le jeu collectif au « je » solitaire. Ce « nous », ce sont ses fidèles acolytes, qui l’accompagnent depuis son tout premier disque signé en France, Soul of Morocco, en 2013 : Yacir Rami au oud, Damian Nueva à la basse, Camille Passeri à la trompette, Carlos Mejias au saxophone, Natascha Rogers et Amar Chaoui aux percussions. « Je n’ai jamais quitté ce noyau dur, celui qui me porte et m’élève depuis 2012, éclaire-t-elle. On s’accompagne, on s’est vus grandir, on a vu naître nos enfants... Nous cultivons cette complicité hors pair. Il y a un cœur, une magie, une générosité, qui procurent à notre musique ce supplément d’âme. » Aussi, pour célébrer ces « dix ans de nous », Oum a choisi de puiser une dizaine de titres dans son répertoire tressé au fil de trois albums aux identités aussi singulières que parcourues d’une sève commune : Soul of Morocco, donc, en 2013, Zarabi en 2015 et Daba en 2019. « En général, je ne chante plus mes morceaux anciens, décrit-elle. Mes auditeurs entrent et sortent dans mes saisons à leur guise. Moi, je les traverse. Au final, je n’ai envie de porter sur scène que des créations inscrites dans mon actualité émotionnelle. Pour ces dix ans, j’avais pourtant une nostalgie de ‘nous jeunes’. Et le désir, le besoin, de ressortir des instantanés musicaux de ce que nous avons été. » Pour cette célébration, forcément live, la chanteuse choisit un lieu symbolique, là où tout a commencé, la terre fertile d’éclosion de ses premières chansons : Marrakech. « Si je n’y avais pas grandi, je n’écrirais pas comme j’écris et je ne chanterais pas comme je chante, affirme-t-elle. Marrakech m’a façonnée – ce musée sensoriel à ciel (bleu vif) ouvert, saturé d’odeurs et de sons, d’orangers et de dattiers, de contrastes explosifs de couleurs, avec son souk et ses artisans qui travaillent en rythme... Cette ville de conteurs, foisonnante de poésie et de tradition orale, cette cité de décharges émotionnelles, où tout t’émerveille, t’électrise et t’éblouit ! » Il y a aussi ces hybridations typiquement marocaines – africaines, berbères et andalouses qui irriguent les métissages de Oum. Et puis, il y a ces feux d’artifices joyeux et naturels de polyrythmies qui galvanisent ses chansons : la signature marrakchie, festive, solaire, joueuse, joyeuse. « Ce son du Sud marocain percussif nourrit jusqu’à nos modes de vie, nos manières de parler..., raconte-t-elle. Là-bas, chaque maison comporte un placard avec des taarijas, des bendirs, que nous ouvrons dans les grandes occasions. Il y a cette culture du rythme au quotidien. Je voulais fêter ces dix ans avec les miens. Là-bas, je ne suis plus une chanteuse, je suis une des leurs, en corps à corps avec le public... » Pour préparer cette grande fête, le 22 juillet 2023, Oum s’est enfermée en amont avec son équipe, une semaine durant, sur le lieu du show, qui porte si bien son nom : The Source (La Source), un magnifique complexe hôtelier, avec son jardin luxuriant, son lieu de concert de 500 personnes en plein air, et son studio...

Deux duos se succèdent dans la #SessionLive avec l’harmoniciste breton de La Réunion Olivier Ker Ourio et le guitariste belge Quentin Dujardin. Puis, le Dj producteur français Praktika avec la griotte burkinabé Dafra Keïta. Nos 1ers invités Quentin Dujardin & Olivier Ker Ourio pour la sortie de l’album Serendipity. Le mot « Sérendipité » est entré dans la langue française très récemment. Sa définition au sens large est le don de faire par hasard des découvertes fructueuses. Une forme de compréhension des choses obtenue par ce hasard lui-même. Olivier Ker Ourio et Quentin Dujardin se rencontrent ainsi en 2016 lors d'un studio en compagnie de Richard Bona, Manu Katché et Ivan Paduart. Depuis cet heureux croisement, le temps a fait son œuvre autour de leurs approches musicales respectives : jazz pour l'harmoniciste, crossover pour le guitariste. C'est avec la reprise étonnante du fameux standard de jazz de Charles Mingus, Goodbye Pork Pie Hat qu'ils ouvrent ce disque en grande pompe. Olivier Ker Ourio n'est jamais loin de son pays natal, La Réunion et de ses réminiscences rocailleuses dans le blues qu'elle porte ; Quentin Dujardin quant à lui, nous transporte avec fraîcheur sur ce groove quasi malien survolé de guitares slides. À leur grand étonnement, une seule journée de studio s'avèrera nécessaire pour graver l'intensité de ce moment posé entre douceur (Eva) et tempo lent (Serendipity). Le travail d'orfèvre de Rémi Bourcereau, ingénieur du son révèle à merveille cette diversité du dialogue qui oscille entre flamenco (Song for Paco), classique (Ave Maria) ou encore blues (Blues for M&N). Par ailleurs, leur imaginaire commun autour des îles n'est jamais loin, il suffit pour s'en convaincre d'écouter Madagascar. Notons aussi ce clin d'œil à Toots Thielemans dans cette nouvelle version du titre En t'attendant que le guitariste avait enregistré à ses côtés en 2010 pour son album intitulé Impressionniste. Olivier Ker Ourio nous en livre une version très personnelle et magnifiquement inspirée. Pour conclure cette envolée, David Linx est l'invité de choix pour un moment suspendu autour de la chanson Shy Away. À propos de Olivier Ker Ourio Salué par les critiques comme un des dignes successeurs de Toots Thielemans, Olivier Ker Ourio est non seulement un soliste très demandé (Alexandre Desplat, Sylvain Luc, Marcel Azzola, Michel Legrand, Didier Lockwood, Danyel Waro...), mais également un brillant compositeur et leader inspiré. Dans ses 11 albums enregistrés à ce jour, ses compositions dévoilent un monde poétique habité de mélodies lyriques, d’harmonies inventives et de rythmes inhabituels. Le monde d’ OKO a le souffle de l’âme. À propos de Quentin Dujardin Compositeur, guitariste & producteur, Quentin Dujardin crée un univers unique autour de ses guitares nylons. Sa ligne de conduite reste attachée de façon immuable au son et à l’émotion. Le guitariste a notamment collaboré internationalement live ou studio avec Toots Thielemans, Lee Townsend, Manu Katché, Bijan Chemirani, Nicolas Fiszman, Mahsa Vahdat, Richard Bona, Bert Joris, Doron David Sherwin, Didier Laloy et beaucoup d'autres. Il est également ambassadeur pour la Fondation Yehudi Menuhin. Titres interprétés au grand studio : Madagascar Live RFI voir Shy Away (Feat. David Linx), extrait de l’album Blues for M&N, Live RFI Line Up : Olivier Ker Ourio, harmonica, Quentin Dujardin, guitare Son : Benoît Letirant & Mathias Taylor (+mixage) ► Album Serendipity (Agua Music/ Dist. Inouïe 2024) Voir le clip Song For Paco Voir le clip En T’attendant Puis nous recevons la griotte Dafra Keita et le man machine Praktika pour la sortie de l’album Balani Factory. Le backpacker DJ et producteur français Jérôme Fouqueray aka Praktika a repris la route de l’Afrique de l’Ouest pour son 2 album « Balani Factory », disponible aujourd'hui sur le label Blanc Manioc. Comme fil rouge de ce nouvel album, l’artiste a choisi un instrument qui a traversé les siècles : le balafon....

Parcours pittoresque avec le Kiosque D'Orphée - Une épopée de l'autoproduction en France - 1973/1991 compilée par Sacha Sieff et #SessionLive avec le baroudeur Cory Seznec en guitare voix. Cory Seznec est notre 1 invité dans la #SessionLive pour présenter son nouvel album Deep Of Time. Entre baroudeur-troubadour et ethno-musicologue non-attitré, tel pourrait se définir le musicien franco-américain Cory Seznec et son unique univers. Des aventures saltimbanques avec des artistes maliens dans le métro parisien le conduisent à des bluesman Songhai à Tombouctou et à des vieux guitaristes omutibo en Western Kenya. Des tournées fébriles au Royaume-Uni avec le trio Groanbox lui donne le pied marin. Mais c’est un séjour de trois ans en Éthiopie qui fait tout basculer : une résidence hebdomadaire au club de jazz de Mulatu Astatké ; l’enregistrement de deux albums avec des musiciens d’Addis Abeba ; des voyages bruts à travers les hauts plateaux éthiopiens pour enregistrer des musiciens traditionnels… Ces expériences font de Seznec un artiste qui cherche à tracer les points communs entre les cultures musicales et dont les chansons laissent le passé se répercuter dans le présent. Franco-américain à Paris, le jeu de guitare de Seznec est syncopé, poly-rythmé, métissé. En outre, il chante, fait du banjo « old-time » et se baigne depuis longtemps dans les musiques traditionnelles américaines. Il travaille actuellement sur trois projets : un album solo intitulé Deep of Time ; Touki - une collaboration avec l’artiste sénégalais Amadou Diagne (leur album a été enregistré aux Real World Studios) ; ainsi que plusieurs projets de recherche autour de certains vieux styles de guitare acoustique africaine. Titres interprétés dans le grand studio Trailblazer Live RFI Deep Of Time, extrait de l’album Plouk Mama Live RFI Line Up : Cory Seznec, guitare-voix Son : Mathias Taylor & Jérémie Besset ► Album Deep Of Time (Captain Pouch Rd 2024) Pour aller plus loin : - Documentaire Cory Seznec « Omutibo » Kenya #trailer - Cyrus Moussavi - Out Of Addis - Daniel Kachamba (Malawi) - Kachamba Bros 1967 Puis nous recevons Sacha Sieff pour la sortie de la compilation KIOSQUE D'ORPHEE - Une épopée de l'autoproduction en France - 1973/1991. Texte de présentation : Dominique A Pendant longtemps, je tombais sur ces disques sans vraiment parvenir à comprendre ce qui les reliait, à part un macaron et ce fameux logo dessiné par René Dessirier. Puis, en fouillant un peu plus, j’ai découvert ce lien « l’auto-production ». Pour des chorales, des établissements scolaires, des chanteurs de folk, de jeunes groupes de pop, des foyers populaires et même de grands compositeurs qui gravaient des copies uniques de certaines sessions d’enregistrement… Pendant français du « Derby Service » anglais, le Kiosque d’Orphée, anciennement au 7 Rue Grégoire de Tours dans le 6ème arrondissement, est repris par Georges Batard à partir de 1967 et déménage au 20 Rue des Tournelles dans le 4ème arrondissement de Paris. L’aventure durera jusqu’en 1991. Georges Batard était un ingénieur du son qui avait un graveur Neumann à lampes, pour graver les acétates à partir des bandes qu’il recevait, avant d’en tirer les précieux vinyles, dans les usines de presse de l’époque, où il avait la possibilité de faire de tous petits tirages, entre 50 et 500 exemplaires. Vous n’aviez qu’à envoyer vos bandes et à choisir le nombre d’exemplaires de disques avec lesquels vous repartiriez sous le bras, pour pouvoir enfin partager vos créations et, d’une certaine manière, exister. Vous pouviez opter pour une pochette générique, déclinée en plusieurs couleurs, directement personnalisable avec votre nom et les crédits, ou vous pouviez concevoir vous-même votre pochette rêvée dans votre salon ou chez un imprimeur. Ce Temple du « Do It Yourself » donna naissance à de superbes pochettes. Réalisées au pochoir, écrites à la main, illustrées avec des peintures, des...

Au début du XXIème siècle, le sitariste de renommée internationale Ravi Shankar faisait une tournée « d’adieu » en présentant son héritière, sa fille Anoushka Shankar. Depuis, l’artiste britannique d’origine indienne s’évertue avec talent à défolkloriser son instrument. Entretien et #SessionLive. La longue liste des projets accomplis par Anoushka Shankar, semble raconter l’histoire de plusieurs vies condensées en une seule : sitariste virtuose, compositrice de musiques de films, militante passionnée ; elle est également la première et plus jeune femme à se voir remettre les armes du Parlement britannique, la première musicienne indienne à présenter et jouer lors de la cérémonie des Grammy Awards. Ayant fait ses premiers pas sur la scène internationale très jeune, elle s’est rapidement imposée comme une artiste singulière, animée par une soif d’explorer au-delà des frontières des genres, passant du classique au contemporain, de l’acoustique à l'électronique le long d’une carrière qui court depuis près de vingt-cinq ans. Tout en offrant un répit du monde où elle grandit sous le regard continu du public, la maison familiale des Shankar était rarement un lieu propice au recueillement silencieux. Les musiciens allaient et venaient en permanence, que ce soit pour apprendre, répéter, improviser ou simplement s’adonner à des jeux musicaux autour de la table à manger. Anoushka s’est mise à étudier le sitar, et la musique classique indienne dès l’âge de 9 ans sous le haut patronage de son père, Pandit Ravi Shankar, maître de l’instrument et figure sans laquelle la musique du XXème siècle n’aurait pas été la même. Après des débuts professionnels à l’âge de 13 ans, elle part en tournée autour du monde aux côtés de son père avant de poursuivre son propre chemin sur scène à l’âge de 18 ans. Découvrant la musique électronique à l’adolescence, elle s’immerge alors dans la scène psychédélique trance de Goa établissant des parallèles entre les propriétés méditatives et introspectives de la musique classique indienne et le relâchement extatique sur la piste de danse. Trois albums de musique classique plus tard (chez Angel Records EMI), elle n’a que 25 ans et est déjà une habituée des salles prestigieuses telles le Carnegie Hall de New York et Le Barbican de Londres. Elle s’oriente ensuite vers des ambiances plus telluriques, des textures plus profondes avec l’album Rise (2005), animée par le désir de « créer une musique qui puisse pleinement représenter qui je suis ». Composée et réalisée par ses soins, la musique de Rise est infusée de sons électroniques créés avec Gaurav Raina de MIDIval Punditz, un « moyen de raconter mon histoire avec mon père : grandir sur trois continents avec un pied dans le passé et un autre dans le présent ». L’album suivant Breathing Underwater, réalisé en collaboration avec le multi-instrumentiste Karsh Kale, entrevoit un univers sonore où les ragas, les paysages analogues lumineux, les nappes électro contemplatives et les incursions de Ravi Shankar, Sting et de sa demi-sœur Norah Jones, s’imbriquent harmonieusement sans jamais donner l’impression de ne pas être à leur place. La signature chez Deutsche Grammophon en 2011 est le point de départ d’une décennie marquée par une créativité débridée. Le temps de quatre albums, tous nommés aux Grammy Awards, des fils disparates sont tissés ensemble pour former une riche tapisserie où les thèmes se bousculent et les palettes sonores sont constamment élargies. Les intenses méditations sur l'amour et la perte de Traces Of You, réalisé par Nitin Sawhney, sont suivies de Home et le retour doucement triomphant des pures improvisations raga. La relation historique entre la musique classique indienne et le flamenco espagnol est au cœur de Traveller, réalisé par Javier Limón, alors que l’actuelle crise internationale touchant les réfugiés est à la source du cri de ralliement de Land Of Gold. Land Of Gold cristallise parfaitement le son d’Anoushka : le sitar dé-exotisée résonne...

Une exploration des expressions contemporaines du taarab à Zanzibar avec Brain Boy, Siti Amina et l’équipe de la Dhow Countries Music Academy. Un reportage de Jeanne Lacaille en marge du Festival Sauti Za Busara (@sautizabusara). Formé dans le creuset du métissage zanzibari au XIXè siècle, mêlant influences africaines, arabes et indiennes, le taarab est LA musique traditionnelle de l’archipel, sa bande-son par excellence. À l’image de Zanzibar, syncrétique et composite par essence, quelles sont les nouvelles mutations du taarab ? Que dit-il de Zanzibar aujourd'hui et quelle est sa fonction ? Quelles sont ses perspectives d’avenir dans un contexte local de sur-tourisme ? Intimement lié à l'histoire politique de l'île, le taarab a-t-il encore un rôle à jouer sur l'échiquier local ? Que reste-t-il de l'héritage des pionnières ? Après Siti Binti Saad et Bi Kidude, le taarab est-il toujours un vecteur d'émancipation pour les femmes ? Nos invités : >> Lauréat d'un Zanzibar Youth Award en 2022 pour son EP The Return of Zenzi Flavor, Brain Boy est une jeune pousse du Zenji Flavor, mouvement hip-hop né dans les années 90 à Zanzibar qui sample abondamment taarab & kidumbaki dans un geste créatif et identitaire. Son rêve ? Un Grammy Award pour le taarab ! Nous retrouvons le jeune artiste côté studio chez Stone Town Records, en marge de son ultime répétition avant son concert sur la scène du festival Sauti Za Busara. >> Fondée en 2001 à Stone Town, la Dhow Countries Music Academy est à la fois une ONG et la seule école de musique de Zanzibar. Sa mission ? Préserver, transmettre et promouvoir les musiques traditionnelles de l’archipel, taarab en tête, à l’heure où toute la jeunesse tanzanienne n’a que deux mots à la bouche : singeli et afrobeats. Malgré ses quelques mécènes et sa trentaine d’élèves — qui pour certain.e.s viennent de loin pour étudier le taarab — l’avenir de la DCMA est menacé par le manque de soutien du gouvernement. Celui du taarab aussi ? Point sur la situation avec Halda sa directrice, le professeur Tryphon et deux jeunes élèves, Frank et Thureiya. >> Comme Siti Binti Saad et Bi Kidude avant elle, Siti Amina a déserté mariage et violences conjugales pour se consacrer à la musique. Frondeuse et féministe, elle est aujourd’hui la chanteuse du groupe Siti & The Band qui a bien décollé depuis sa formation à la Dhow Countries Music Academy avec un taarab aux fondations traditionnelles enrichi d'éclats jazz, de grooves funk ou reggae, et de feats audacieux. Après son triomphe sur la scène du festival Sauti Za Busara, elle nous donne rendez-vous à Hifadhi Zanzibar Majestic Theatre, l’un des derniers lieux de musique live et de culture à Stone Town, l’un des rares bâtiments historiques de la ville à ne pas encore avoir été transformé en hôtel par les promoteurs de la surmise en tourisme de l’archipel. Ce reportage pose les questions suivantes : Quelles sont les nouvelles mutations du taarab ? Que disent-elles de la société zanzibari ? Quelle est la fonction du taarab aujourd’hui ? Quelles sont les perspectives d’avenir dans un contexte de surtourisme ? Que reste-t-il de l’héritage des pionnières Siti Binti Saad et Bi Kidude ? Après elles, le taarab est-il toujours un vecteur d’émancipation pour les femmes ? À lire sur PAM Bi Kidude sur PAM.

Plongez dans les univers captivants d'Elisapie et de Jeremy Dutcher. Laissez-vous enivrer par le souffle du Grand Nord et du New Brunswick avec les albums Inuktitut et Motewolonuwok. (Rediffusion) Avant de commencer l’émission, voici quelques infos sur les cultures autochtones du Canada : Il y a 3 branches différentes d’autochtones au Canada : - 1) Premières nations : Mohawk, mig’maq, Abenaki... (Jeremy Dutcher) - 2) Métis - 3) Inuit (Elisapie). Pour ne pas se tromper, on dit : Autochtone. La langue des Inuit est le Inuktitut : Inuk (singulier) / Inuit (pluriel) Elisapie se présente comme une Inuk du peuple inuit. Erreurs communes à éviter : Confondre les Innus et les Inuit - Les Innus viennent de la Côte Nord (Florent Vollant par exemple) / Les Inuit viennent du Grand Nord (Elisapie). Le Nunavik est la région tout au nord du Québec. Le Nunavut est un territoire canadien. On ne dit pas la culture autochtone mais les cultures autochtones. Il y a plus de 50 langues autochtones au Canada, il y a 11 nations autochtones au Québec incluant les Inuit : Abénakis, Anishinabeg, Atikamekw Nehirowisiw, Eeyou, Wendat, Innu, Inuit, Wolastoqiyik, Mi’qmaq, Mohawk-Kanien'kehá:ka et Naskapi. Première invitée : Elisapie pour la sortie de l’album Inuktitut L’artiste venue du Grand Nord, Elisapie, est depuis plusieurs années une ambassadrice incontournable des voix autochtones, elle incarne une élégance musicale certaine et un féminisme en avance sur son temps. Avec ce nouveau disque, la chanteuse qui a grandi à Salluit, un petit village du Nunavik, la région la plus au nord du Québec revient sur son enfance et adolescence en explorant ses titres préférés qui l’ont vue s’émanciper en tant que femme et en tant qu’artiste. Le défi était grand de revisiter ces chansons intemporelles de groupes ou d’artistes légendaires. Pourtant, qui peut prétendre à autant de délicatesse que dans ce titre Uummati Attanarsimat (Heart of Glass), reprise de Blondie ou ce Taimangalimaaq (Time After Time), de Cindy Lauper ? Ces classiques réinterprétés de Queen, Pink Floyd ou Rolling Stones sont chantés en Inuktitut, sa langue natale. De cette traduction, découlent une force et une poésie inédite. Dans cette playlist de jeunesse, Elisapie raconte son parcours, ses joies et ses peines, sa détermination aussi tout en faisant résonner sa culture avec finesse, en conjuguant modernité et tradition. De ses années passées dans l’Arctique, Elisapie a gardé les souvenirs de ses premiers amours, a été témoin des effets du colonialisme sur sa collectivité et a dansé jusqu’au bout de la nuit au centre communautaire du village. À l’adolescence, elle se produit sur scène avec ses oncles, eux-mêmes membres de l’illustre groupe de rock’n’roll inuit Sugluk (aussi appelé Salluit Band). À 15 ans, elle travaille à la station de radio du village et parvient à décrocher une entrevue avec Metallica. Jeune femme brillante et ambitieuse, elle s’installe à Montréal pour étudier et, finalement, faire carrière dans la musique. Aujourd’hui, l’auteure-compositrice-interprète inuk est une figure incontournable au Canada. Activiste dévouée, Elisapie a créé et produit la première émission de télévision diffusée dans tout le Canada pour célébrer la Journée nationale des peuples autochtones. Son attachement inconditionnel à son territoire et à sa langue, se situe au cœur de son parcours créatif et donc de son œuvre. Cette langue millénaire incarne la rudesse de l’environnement et la beauté féroce du territoire inuit. Cet album est le fruit de tout cela : une constellation de souvenirs aussi sensibles qu’oniriques. À la sortie de Uummati Attanarsimat, Debbie Harry et Chris Stein, membres de Blondie, acclament toute la beauté de cette version de Heart of Glass. Titres joués - Uummati Attanarsimat (Heart of Glass) Blondie voir le clip - Qimmijuat (Wild Horses) Rolling Stones voir le clip - Isumagijunnaitaungituq (The Unforgiven) Metallica voir le clip - Qaisimalaurittuq (Wish You...

Nos invitées sont des voyageuses, atlantique pour la 1ère, méditerranéenne pour la seconde. 48 minutes 30 entre Gatica et son Chili natal et Vakia Stavrou, Chypriote amoureuse des belles lettres en 5 langues ! Notre 1 invitée est Gatica (Alejandra Gatica), pour la sortie de l’album Altamar. Née à Santiago du Chili, Gatica (Alejandra de son prénom), son corps a la forme de son pays, une nature qu’elle a dans la peau, celle du Chili, elle improvise (avec Alex Finkin, du projet Roseaux, et à la réalisation de son album) des mélodies de vie, portées par de la poésie. Elle nous invite dans la chaleur de sa tendresse, à partager sur scène et dans son album à venir les battements des cœurs, les percussions de Clara Noll et les ondées du violoncelle de Lola Malique. Cordes hypersensibles, chœurs, corps, cœur. Titres joués au grand studio - Embrassons-nous, Live RFI - Altamar, extrait de l’album - Ayulen, Live RFI voir le clip. Line Up : Alejandra Gatica : chant, guitare, charango ; Lola Malique : violoncelle, chœurs ; Clara Noll : basse, percussions. Son : Mathias Taylor et Benoît Letirant. ► Album Gatica (Daydream Music 2024). Puis nous recevons l’auteure-compositrice interprète Vakia Stavrou (Chypre). L’artiste chypriote Vakia Stavrou présente son nouvel album Vakia, un mélange de compositions originales et de reprises d’Aznavour, Tuxedomoon, et quelques titres sud-américains. ► Album Vakia (2024). Son site.

C’est sur l’axe Cali-Lyon-Paris que va se dérouler la #SessionLive avec Xiomara Torres pour la partie colombienne et Marion Rampal qui fait comme l’oiseau (un bol d’air pur et d’eau fraîche…). Nos premiers invités sont le groupe Pixvae pour la sortie de l’album Oi Vé #SessionLive C’est le retour du bouillonnant combo franco-colombien Pixvae, et l’on se prend déjà à sentir les effluves de transe que contient ce dernier opus. Avec Oì Vé, Pixvae revient dans les bacs avec un cocktail survitaminé qui sonne comme une invitation à un voyage aussi mystique que festif entre Cali et Lyon. La formule, déjà largement reconnue comme magique, reste la même : la déflagration du currulao colombien entré en contact avec un alliage extrait des profondeurs du rock et du jazz. Mais Oì Vé marque une nouvelle évolution dans cette relecture libérée de cette musique traditionnelle afro-colombienne. Ce nouveau répertoire s’articule autour de la Marimba de Chonta, instrument central du currulao. L’équipée française originelle, avec le power trio Kouma et la puissance vocale de Margaux Delatour, retrouve avec un bonheur non dissimulé les complices colombiens Juan Carlos Arrechea (marimba et percus), Israël Quinones (percus et voix) et Jennifer « Xiomora » Torres (voix). Cette combinaison puissante et subtile prend encore plus d’ampleur avec ces compositions et ces textes originaux, qui offrent une nouvelle résonance avec l’énergie initiale du groupe, venue des chants traditionnels… Tout en gardant bien au chaud le caractère complètement épique de cette épopée transe-frontalière. Titres interprétés au grand studio - Mamita Live RFI + RFI Vidéos - Las Pesadilas, extrait de l’album - Vamos a celebrar Live RFI. Line Up : Xiomara Torres : voix, Israel Quinones : cununos + voix, Juan Carlos Arrechea : marimba + voix et Romain Dugelay : keyboards. Son : Jérémie Besset & Mathias Taylor. ► Album Oi Vé (Compagnie 4000 2024). Puis nous recevons Marion Rampal pour la sortie de l’album Oizel #SessionLive Après quatre albums et de nombreuses collaborations, on se gardera d’affirmer que Marion Rampal prend son envol. Intitulé Oizel, son nouveau recueil de chansons suggère pourtant une prise d’altitude. Si la figure de l’oiseau est devenue essentielle, c’est qu’elle couvait déjà sous sa plume. Son précédent recueil, Tissé, s’achevait par un blues féministe, Still A Bird, où s’esquissait une affinité que Oizel prolonge et achève en convoquant la mobilité spatiale du migrateur, la nécessité vitale du nid, le chant réparateur. Elle a choisi de composer en français, sous un format de toutes parts décloisonné par les surgissements libres et singuliers des interprètes qui l’entourent (Christophe Panzani, Gaël Rakotondrabe, Raphaël Chassin, Simon Tailleu, autant à l’aise dans le jazz que dans le format de la chanson en studio). L’album déploie la métaphore de l’oiseau dans ses myriades : il y est question de liberté, d’espoir, de marge, de passion et de sécession. Marion Rampal y convie autant la voix profonde et baroudeuse de Bertrand Belin, celle, oiseleuse et rêveuse de Laura Cahen, que la flûte mystique de Naïssam Jalal. Titres interprétés au grand studio - Les Mots Live RFI - De Beaux Dimanches feat. Bertrand Belin, extrait de l’album voir le clip - Coulemonde Live RFI. Line Up : Marion Rampal, voix - Matthis Pascaud, guitare. Son Mathias Taylor & Benoît Letirant. ► Album Oizel (Les Rivières Souterraines 2024). ► chaîne YouTube.

La #SessionLive reçoit Ma Sané, Luna Silva et le souk sonique de Martin Meissonnier. Rares Talents 2024, 13è édition, du 26 mars au 13 avril 2024. Créée en 2008 par feu le charismatique musicien Hilaire Penda, l’association des Rares Talents réunit un collectif d’artistes et de professionnels du milieu de la culture, tous bénévoles. L’association incarne l’esprit et les valeurs généreuses de Montreuil, territoire accueillant où les cultures s’entremêlent et s’enrichissent mutuellement. Au carrefour des musiques venues d’Afrique et d’Orient, de pratiques musicales professionnelles et amateures qui vont du jazz aux musiques urbaines en passant par la folk, les musiques qui groovent et les fusions les plus folles, Montreuil est un vivier artistique, culturel et social unique. Le festival Rares Talents, dont la première édition s’est tenue en 2011 sous la houlette et la direction artistique d’Hilaire Penda, entend chaque année refléter pour partie cette réalité dans la construction de sa programmation et poursuit l’ambition de son fondateur : · D’offrir aux musiciens émergents comme aux musiciens renommés, d’ici et d’ailleurs, un cadre d’expression et d’exposition de haut niveau, un environnement propice aux rencontres et aux créations artistiques. · D’offrir aux publics de Montreuil, de Seine-Saint-Denis et de la capitale des soirées musicales (concerts, dj sets… ) et des événements associés divers, excitants et enrichissants. Notre 1 invitée est l’artiste sénégalaise Ma Sané. Née à Thiès au Sénégal, Ma Sané croise dès son adolescence la route de Waflash, une bande de copains de quartier réunis autour de leur passion, la musique. Le public sénégalais découvre alors début 1990 leurs compositions mêlant le mbalax (musique sénégalaise populaire), l’afro-beat, le bougarabou (rythmes diolas) et le funk. Ma Sané et le Waflash tournent alors des dizaines de clips vidéos (« Sincérité » sera un énorme succès), se produisent en Afrique et en Amérique. En 2018, elle est invitée par l’opéra de Palerme à incarner Bintou Were, l’héroïne de « l’opéra du Sahel » composé par le musicien sénégalais Wasis Diop. Dans ce « cabaret des flagrants délires » repris au Théâtre de la Manufacture de Nancy, elle est comédienne, compositrice et directrice musicale. Désormais en solo et en France, l’artiste sort en 2023 son nouvel album MAMA ESSAMAÏ – La Mère Guerrière – dans lequel elle nous fait découvrir son univers jazz et dansant entre afro-folk et rythmes du bougarabou. Notre 2ème invitée est Luna Silva. Façonnée par ses nombreux voyages et par l’univers circassien dans lequel elle a grandi, Luna Silva mêle sa voix rayonnante et colorée aux sons de son ukulélé, de la contrebasse, de la guitare et des percussions. Le résultat est une musique métissée qui fait écho et résonne au-delà des frontières, alliant des tendances de musiques actuelles aux musiques du monde. Pour Luna Silva, la chanteuse émouvante et l’enfant de la balle, la scène est le théâtre d’une célébration heureuse, qu’elle prépare avec soin. Au sol, un tapis amoureusement tissé dans une contrée lointaine, au-dessus, de joyeuses guirlandes, elle avance, vêtue d’une robe aux couleurs éclatantes, une fleur plantée dans les cheveux en un geste cérémonial précédant le partage généreux de ses chants aux mille pigments. Notre 3 invité est Martin Meissonnier, pour son nouveau projet avec Aziz Sahmaoui. Aziz Sahmaoui est un des co-fondateurs de l’Orchestre National de Barbès, il a longtemps accompagné le claviériste autrichien Joe Zawinul, jusqu’à sa mort en 2007. En 2010, il forme « University of Gnawa » son propre groupe avec 3 musiciens sénégalais : Alune Wade (basse) Cheikh Diallo (claviers et kora) et Hervé Samb (guitare). Le groupe prend ce nom en hommage aux rythmes de guérison des Gnawa du Maroc. Il tisse ainsi des liens entre son pays et l’Afrique Noire traditionnelle. En novembre 2023, il crée un nouveau groupe électro avec ses compagnons de route Martin Meissonnier (qui a déjà...

La Session Live invite deux magnifiques pianistes : Pierre-François Blanchard et Gael Rakotondrabe. Ces sidemen entrent enfin dans la lumière avec les sorties de Puzzled, pour le premier et de Shadow pour le second. « You’ve got a great feeling for the blues » Archie Shepp à Pierre-François Blanchard en 2017. Notre premier invité est donc Pierre-François Blanchard. Après avoir accompagné Pierre Barouh, Archie Shepp, Hugh Coltman, Marion Rampal ou Raphaël Imbert, le pianiste sort un 1 album sous son nom Puzzled. Sur ce projet, il est accompagné par le clarinettiste Thomas Savy, son frère d’âme. Pierre-François Blanchard fait partie de ces héros romantiques contemporains, dont l’art traduit un propos aussi salvateur qu’essentiel : l’Intime ne pas va pas sans l’Autre. L’Intime-Autre. Le trait d’union résume, à la fois, la personnalité du pianiste et la musique qu’il façonne. Originaire de Nantes, l’enfant se met au piano et découvre le blues à la radio. Diplômé du Conservatoire de Saint-Nazaire, DE de jazz, Conservatoire Royal de La Haye (Pays-Bas), c’est avec Marion Rampal qu’il crée le label Les Rivières Souterraines. Puzzled est une flânerie entre les mondes, où miroitent la musique française du début du XXème siècle, l’art coloriste d’un Duke Ellington, des beautés du contrepoint aux combinaisons harmoniques d’un Brad Meldhau. Titres joués au grand studio - Fears, Live RFI - Pré Vert, extrait de l’album Shadow - Backtrack, Live RFI. Line Up : Pierre-François Blanchard, piano, Thomas Savy, clarinette. Son : Jérémie Besset & Mathias Taylor. ► Album Puzzled (Les Rivières Souterraines 2024). Puis la #SessionLive reçoit le pianiste Gael Rakotondrabe, pour la sortie de l’album Shadow. Pianiste et compositeur, originaire de l’île de La Réunion, Gael Rakotondrabe se distingue par son éclectisme et sa virtuosité. Il est le seul pianiste français à avoir été lauréat du concours international de piano du Montreux Jazz festival, sous la présidence honorifique de Quincy Jones. De musiques de films en rencontres artistiques étonnantes, d’orchestrations savantes en improvisations urgentes, il multiplie les collaborations. On l’a aperçu (écouté) avec Antony & The Johnsons (Anohni), Cocorosie, David Byrne, Charles Aznavour, Woodkid, Hugh Coltman ou Ayo. L’album Shadow réinterprète des classiques des Beatles, Philippe Sarde ou d’Alain Peters. For Musicians Only est un nouveau label (Caramba Rd). C’est une collection emmenée par Manou Pallueau, qui recherche l’élégance, la virtuosité, la curiosité et de l’inédit. À suivre… Titres joués au grand studio - Rest’la Maloya, Live RFI - And I Love Her, extrait de l’album Shadow voir le clip - Because, Live RFI. Line Up : Gael Rakotondrabe, piano. Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant. ► Album Shadow (For Musicians Only/ Virgin Music 2024).

Notre 1 invité est le musicien, auteur-compositeur et interprète BabX, pour la sortie de son nouvel album Une maison avec un piano dedans. Né dans une famille d’artistes et de musiciens, David Babin démarre l’apprentissage du piano à l’âge de 5 ans. À la suite d’une première approche de la scène comme membre de la troupe polyphonique des « Glotte-Trotters », dirigée par Martina A. Catella, David compose sa première musique de spectacle à 17 ans pour un spectacle autour des textes de Roland Topor et intègre la compagnie de l’Herbe Tendre. Au début des années 2000, David écrit ses premières chansons, et donne ses premiers concerts. C’est à cette époque qu’il opte pour le pseudonyme BABX. BABX sort son 1 album en 2006. Dans une chronique dans le magazine Epok, Dominique A écrit au sujet de l’album : « c’est magnifique, parce que la musique (…) annule l’actualité des mots et donne le sentiment d’une histoire qui vient de loin. À suivre de près, au moins ». Dans la foulée de la sortie, l’album est nommé aux Victoires de la musique dans la catégorie « album révélation de l’année ». Deux autres événements discrets mais marquants pour l’avenir viennent ponctuer l’année 2006 : la reprise du studio Sofreson, qui devient le Studio Pigalle et sera désormais le lieu choisi par BABX et son équipe pour réaliser toutes leurs productions. Et la réalisation d’un maxi de quelques titres pour une jeune chanteuse encore inconnue, Raphaële Lannadère, qui deviendra « L ». En 2008, David et son équipe enregistrent Cristal Ballroom, second album de BABX, rêverie inspirée par l’évocation des musiciens de la salle de bal du Titanic. C’est à cette époque qu’il croise la route du légendaire guitariste de l’avant-garde new-yorkaise Marc Ribot avec qui il enregistre en duo le titre Lady L aux Studios Dubway à New York. Cet album est aussi pour Babx celui de deux rencontres importantes : l’ingénieur du son américain Oz Fritz (Tom Waits, Iggy Pop, Les Ramones, Bill Laswell…), avec qui il entame une relation durable, ainsi que le photographe Harry Gruyaert (Magnum) dont l’une des photos orne la pochette de Cristal Ballroom. Concomitamment au mix de l’album aux États-Unis avec Oz Fritz, BABX rencontre les membres du « Metropolis Ensemble » (The Roots, Deerhoof…) dirigé par le chef d’orchestre Andrew Cyr et entame une collaboration artistique avec eux. Au même moment, BABX sera nommé finaliste de l’International Songwriting Competition (dont les membres du jury sont composés notamment de Robert Smith, Tom Waits, Mc Coy Tyner, Ornette Coleman…) avec la chanson « Remington Requiem » et écrira deux chansons à Julien Doré « First Lady » et « Soirées Parisiennes » pour l’album Ersatz. 2009 est également l’année où BABX renoue avec la musique de spectacle, à l’occasion de la création de « Noctiluque » de la danseuse japonaise Kaori Ito au Théâtre Vidy de Lausanne qu’il co-composera avec son proche complice le guitariste/oudiste Grégory Dargent (L’Hijaz Car, Houria Aïchi, Rachid Taha, Sirventès). En 2010, David Babin réalise et arrange deux premiers albums à succès qui l’installent comme l’un des producteurs incontournables de la scène hexagonale : celui de Camélia Jordana (pour lequel il écrit plusieurs titres) et « Initiale » de L. Le premier sera un immense succès de l’année 2010 (disque de platine, nomination aux Victoires) tandis que le second est disque d’or et unanimement considéré comme l’un des albums de l’année 2011. En 2012, BABX rejoint le saxophoniste et chanteur Thomas de Pourquery (Supersonic, Rigolus, DPZ, VKNG) pour la programmation et l’organisation du Brain Festival : un moment collectif de musique au bénéfice de la lutte contre les maladies neuro-dégénératives auquel participeront Oxmo Puccino, Jacques Higelin, André Minvielle, Poni Hoax, The Do, Camélia Jordana, L, Jeanne Added, etc. 2013, 3è album intitulé Drones personnels. Cet album à la tonalité plus électronique que les précédents, évoque les expérimentations avant-gardistes de...

Le continent africain est à l’honneur avec Sahra Halgan, la voix du Somaliland et les Amazones d’Afrique avec Mamani Keïta (Dobet Gnahoré, Kandy Guira et Fafa Ruffino) à cheval sur le Mali, le Bénin, la Côte d’Ivoire, le Burkina Faso et la France. Notre 1 invitée est une légende vivante, Sahra Halgan pour la sortie de son 3 album Hiddo Dhawr. Sahra Halgan est une artiste iconique du Somaliland, pays de la corne d’Afrique indépendant depuis 1991, mais non reconnu par la communauté internationale. C’est pendant les années 80, engagée dans la terrible guerre contre la dictature, qu’elle reçoit le surnom de «Halgan», la combattante, et que ses chansons gagnent à jamais le cœur de tout un peuple. Exilée en France, c’est à Lyon qu’elle fonde son groupe avec Aymeric Krol, Maël Salètes et Régis Monte. Son troisième album est le fruit d’une recherche sincère d’authenticité et d’innovation, d’une alliance inédite entre chanson somalienne et rock des origines, enrichissant ainsi de son inspiration les paysages les plus inattendus de la sono mondiale. Il s’appelle Hiddo Dhawr («Préserve la culture»), c'est également le nom du centre culturel que Sahra a fondé en 2013 à Hargeisa, capitale du Somaliland. Morceaux interprété au grand studio - Laga Live RFI + RFI Vidéos - Lilalaw, extrait du Cd - Sharaf Live RFI. Line Up : Sahra Halgan, chant, Maël Salètes, guitare électrique, Régis Monte, basse et Aymeric Krol, percussions. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Hiddo Dhawr (Danaya Music/ Inouïe Dits 2024). Puis nous recevons les Amazones d’Afrique pour la sortie du nouvel album Musow Danse. Les Amazones d'Afrique, qui comptent parmi ses membres certaines des plus grandes stars de la musique africaine, sortent aujourd'hui leur troisième album, Musow Danse sur Real World Records. « Musow Danse ». La danse des femmes, troisième album des Amazones d’Afrique, dont la présence internationale s’est affirmée en dix ans grâce à leur talent, leur authenticité, leur conviction et leur dur labeur. D’un charisme à couper le souffle : les concerts de par le monde, depuis Primavera Sound à Barcelone ou le Pyramid Stage de Glastonbury jusqu’au Festival Gnawa d’Essaouira au Maroc, ont vu des centaines de milliers de fans groover et agiter leurs bras en l’air. S’il fallait encore une preuve que Les Amazones d’Afrique sont devenues une force pour le changement, un mouvement synonyme de défense des droits des femmes partout dans le monde, voici « Musow Danse ». Réalisé et mixé par Jacknife Lee (U2, The Killers, REM), le shaman irlandais de L.A., l’album réunit six voix puissantes : celles de la diva malienne, membre fondateur du collectif, Mamani Keïta, de la chanteuse et actrice béninoise Fara Ruffino, de la Burkinabè Kandy Guira, du phénomène venu de Côte d’Ivoire Dobet Gnahoré, et de la dernière venue, la chanteuse et actrice congolaise Alvie Bitemo, ainsi que celle de la Nigériane Nneka pour » deux featurings. Un travail inclusif, dynamique et magique. « Musow Danse » : à la fois appel à l’union et potion magique. Morceaux interprétés au grand studio - Flaws Live RFI - Mother Murakoze, extrait de l’album - Espérance Live RFI. Line up : Mamani Keita, chant, Adeola Soyemi, chant, Jemiriye Adeniji, chant, Nadjib Benbella (DJ) + Manu Lechat, claviers + Grégoire Hugé, ingénieur du son. Son : Mathias Taylor & Jérémie Besset. ► Album Musow Danse (Real World 2024).

Notre 1 invitée s’appelle Laryssa Kim. Basée à Bruxelles, Laryssa Kim est une chanteuse et compositrice italo-congolaise. Son premier album, Contezza, est sorti en 2024 sur le label City Tracks. Contezza représente le chemin de la prison mentale à la libération, vers un amour mature vaste et inconditionnel pour la vie, pour soi-même et pour les autres. Ses premières incursions dans la musique ont eu lieu à Rome où elle écrivait et se produisait avec des musiciens de reggae et des DJ. Une période qui lui a permis de consolider ses forces instinctives à travers le live. En 2008, elle déménage à Amsterdam et s'immerge dans la danse contemporaine et le théâtre. Basée à Bruxelles depuis 2013, Laryssa a confirmé son intérêt pour l'électroacoustique en complétant un programme de master au Conservatoire Royal de Mons en composition musicale acousmatique. On pénètre dans « Contezza » comme on sombre dans un sommeil duveteux. Durant ces trois premières pistes, Laryssa Kim nous emmène donc aux confins de sa contezza, un mot italien ancien et éculé signifiant « conscience ». Jouant avec les langues comme avec les sons, comme autant d’artefacts invisibles témoignant de ses origines italo-congolaises, Laryssa se meut dans l’hybride et les contrastes. Carrefour où se rencontrent Brian Eno, Enya et Erykah Badu, Contezza est donc affaire de voyage intérieur. Le résultat d’un repli qui, comme pour la majorité des humains en 2020, survient avec la pandémie de Covid-19. Certaine de devoir mettre un terme à sa carrière, Laryssa profite surtout de cette pause forcée pour approfondir sa connaissance des pratiques de méditation et sa curiosité pour l’ésotérisme, l’astrologie, la magie, les oracles chinois. Tout en gardant farouchement les pieds sur terre, Laryssa s’autorise à jouer avec les signes et les sens. Instinctivement, c’est d’amour qu’elle veut parler sur ce nouvel album. L’amour et ses déceptions, mais aussi ce qu’il peut nous apprendre sur nous-mêmes, lorsqu’il s’évanouit comme un rêve, comme une marée faite de plaisirs et d’angoisses, miroirs de nos failles les plus mystérieuses. À l’instar des grands maîtres d’une esthétique clair-obscur, par-delà bien et mal, que sont David Lynch et Miyazaki. Très vite, elle conçoit l’album comme un processus rituel, magique : un exorcisme par la beauté lui permettant d’éloigner un mauvais œil qu’elle suspecte lui coller à la peau. Loin de donner des leçons, Laryssa invite humblement à l’introspection créative, à l’invention perpétuelle de soi, sans répit, au gré du jeu et de l’ouverture aux détails infinis du quotidien. Comme le bourdonnement du frigo ou l’horloge des toilettes de sa mère, à Rome, qui trouvent une nouvelle place dans les mini-univers oniriques de la contezza de Laryssa, à la fois ancienne et tournée vers les techniques de composition les plus contemporaines. Une exploration spirituelle en soi-même que Laryssa envisage à la manière d’un Jodorowski : profonde et fondamentalement ludique à la fois, loin des certitudes et des dogmes dangereux… Morceaux interprétés au grand studio - L'Attente Live RFI - Blue Velvet, extrait de l’album - Ma Chi Sei Live RFI. Line Up : Laryssa Kim, voix, machines. Son : Mathias Taylor & Jérémie Besset. ► Album Contezza (City Tracks 2024). Puis nous recevons l’artiste québécoise Terez Montcalm pour la sortie de Step Out En plus de trente ans de carrière, la Québécoise Thérèse Montcalm (Térez à la scène) publie enfin son dixième album Step Out. Elle a pris le temps pour le concevoir, puisque son prédécesseur date de neuf ans déjà. Et comme elle aime surprendre, après avoir alterné disques en français («Risque», «Parle Pas Si Fort», «Quand On S’Aime»…) et en anglais, oscillant tour à tour entre jazz, rock et chanson («Voodoo», «Songs For Shirley Horn»), c’est en compagnie du fameux guitariste français Jean-Marie Ecay (et sous l'égide du producteur Régis Ceccarelli, fils d’André, dit «Dédé», ainsi que de l’ingénierie du célèbre Dominique...

Une artiste franco-colombienne RFI Talent, puis une formation congauloise, bienvenue dans la #SessionLive ! Notre 1 invitée dans la #SessionLive est Ëda Diaz pour la sortie de l’album Suave Bruta #RFI Talent Avec Suave Bruta, la contrebassiste et chanteuse franco-colombienne Ëda Diaz présente son 1 album, 11 titres combinant rythmes traditionnels sud-américains et expérimentations électroniques ultra-créatives. À mi-chemin entre une carte astrale poétique et un pont express sur l’Atlantique, Suave Bruta propose une expérience unique. Douce ou indomptable ? Organique ou électronique ? Euros ou pesos ? Ne pas choisir, c’est encore choisir : Ëda Diaz le sait car elle veut tout, et ne s’en excuse pas ! Avec Suave Bruta, la musicienne opère une authentique réconciliation des différentes parties de son identité, des fragments riches et complémentaires qu’elle a longtemps pris pour des contraires. Française par sa mère, Colombienne par son père, Éléonore Diaz Arbelaez a tôt fait d’apprendre à jongler entre les langues, les cultures, les rythmes et les manières de pratiquer la musique grâce à de nombreux allers-retours entre Paris et Medellín. Pendant plus de quinze ans, Ëda Diaz s’applique sagement au piano classique au Conservatoire de Boulogne-Billancourt. Mais chaque été, au son du tiple et des petits verres d’aguardiente qu’on entrechoque dans le patio de la maison familiale à Medellín, sa grand-mère lui transmet la fougue des tangos de Carlos Gardel, le romantisme des boléros, la liesse des bambucos et tout un répertoire de chants populaires issus des grandes traditions de la musique sud-américaine. Dès lors, réunir les deux continents devient l’obsession d’Ëda Diaz. Mais comment faire ? Comment se situer ? Comment être soi-même ? Puisqu’elle ne se sent ni l’âme d’une concertiste ni celle d’une folkloriste, Ëda Diaz se met alors au rock psyché ! Un pas de côté qui lui permet de se libérer de ses complexes académiques, d’écrire ses premiers textes et de trouver sa voix. La véritable épiphanie, enfin, prendra la forme d’une contrebasse, une évidence pour Ëda Diaz que son padre a biberonné aux plus beaux tumbaos de la salsa. En boucle à la maison : Buena Vista Social Club, Omara Portuondo et Joe Arroyo, le plus charismatique de tous les chanteurs de salsa colombiens. L’un de ses grands classiques, ‘Suave Bruta’, donne d’ailleurs son nom au premier album d’Ëda Diaz, désormais en paix avec son héritage, son identité, ses goûts et son époque. Pour l’accompagner, elle fait appel à Climène Zarkan (chœurs, clavier, pad), Anthony Winzenrieth (guitare, clavier) et Baptiste de Chabaneix (percussions, pad). Et bien que Suave Bruta soit un disque très produit, rien n’est figé et tout est possible, car ce qui compte le plus pour Ëda Diaz, c’est d’abord l’alchimie collective, la rencontre et l’émotion, l’énergie du réel, la puissance magique de l’instant. Titres interprétés au grand studio - Tiemblas Live RFI + RFI Vidéos. - Sábana y Banano, extrait de l’album - Nenita Live RFI + RFI Vidéos. Line Up : Ëda Diaz chant contrebasse, Anthony Winzenrieth, guitare, claviers, Baptiste de Chabaneix, percussions et Climène Zarkan, chœurs, claviers. Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant. Réalisation : Hadrien Touraud. ► Album Suave Bruta (Airfono 2024). Puis nous recevons le groupe Tonn3rr3 & Bikay3 dans la #SessionLive pour la sortie de l’album It’s A Bomb ! La musique du congolais Bony Bikaye, il a longtemps fallu la chercher dans le purgatoire des “musiques du monde”, lieu de tous les possibles, où les diamants bruts cohabitaient avec des cauchemars fades de blancs-becs qui congelaient la rumba façon poisson pané. Parfois, pêché plus subtil, ils la mettaient au menu alors que d’aucuns voulaient passer à autre chose. C’est le cas de Bikaye, qui grandit dans un bain de musique européenne, kiffe le Kraut, lutte avec le trad’, et vient chercher les embrouilles musicales à Bruxelles. Bony Bikaye y enregistrera plusieurs albums avec...

L’artiste franco-camerounaise Cindy Pooch présente son nouvel Ep Le Feu (et de l’album sorti quelques mois plutôt In Nomine Corpus) et le 5tet Yusan présente son 1er album Ba Yo. Notre 1 invitée est Cindy Pooch, pour la sortie de l’EP Le Feu. Quelques mois après la sortie acclamée de son premier album In Nomine Corpus (2023) chez InFiné auréolé d’une sélection FIP, Cindy Pooch revient avec un nouvel EP : Le Feu, réinterprétant deux des titres-phares de son album. Cet EP est issu d’une volonté, celle de réexplorer deux titres de l’album en allant toujours plus vers le sensible, via le minimalisme. Pour ce faire, Cindy Pooch a décidé d’inviter cinq musiciennes et musiciens qu’elle respecte et admire : la chanteuse et multi-instrumentiste Claudine Pauly, le pianiste, multi-instrumentiste et chanteur Ariel Tintar, la chanteuse protéiforme Célia Kameni, le chanteur ubiquiste Agyei Osei et le violoniste Sylvain Rabourdin et ses improvisations nomades. En découlent deux versions inédites de Le Feu et Tout ou Rien qui révèlent la force et la singularité de la voix de Cindy Pooch mettant encore plus en valeur la chaleur et la sensibilité des morceaux. alchimies qui se trouvent à la limite subtile qui sépare le tout du rien. Son album In Nomine Corpus, sorti il y a quelques mois, est produit par le guitariste Seb Martel. Titres interprétés au grand studio - Issemou Live RFI + clip RFI Vidéos - Nyanga, extrait du Cd - Le Feu Live RFI + clip RFI Vidéos. Line Up : Cindy Pooch, chant, Seb Martel, guitare, Audrey Podrini, violoncelle. Son Mathias Taylor, Benoît Letirant. Réalisation : Hadrien Touraud. ► EP Le Feu (InFiné 2024) Concert 6 mars 2024 La Maroquinerie, Paris. Puis nous recevons le groupe Yusan, pour la sortie du 1 album Ba Yo Yusan, alliance d’artistes aux identités fortes et aux influences communes : jazz, musiques caribéennes, afrobeat, soul et gospel sont autant de couleurs qui viennent métisser la palette sonore du groupe. Composé de Ralph Lavital à la guitare, Romain Cuoq au saxophone, Kevin Jubert aux claviers, Gwen Ladeux à la basse, Mathieu Edouard à la batterie, pour son premier album, Yusan a pris le parti de mettre en avant la voix et la mélodie, et d’inviter des personnalités de tous horizons qui résonnent avec leur musique, créant des titres aux couleurs variées exprimant la somme de leurs expériences. On retrouve entre autres invités sur Ba Yo : Jocelyne Béroard, Célia Kameni, Ann Shirley, Chassol, Stace ou Jean-Michel Rotin… Après un EP sorti en 2021, qui a vu le titre Chiraj repris par des musiciens du monde entier, Yusan, dévoile son premier opus Ba Yo. Cette expression créole qui signifie à la fois « pour eux » et « donne-leur », illustre parfaitement la générosité du projet. Titres interprétés au grand studio - Esoka Longuē Live RFI + clip RFI Vidéos - Mawonnen san viza Feat. Jocelyne Béroard - Chiraj Live RFI. Line Up : Ann Shirley : chant, Ralph Lavital : guitare, Romain Cuoq : saxophone, Kevin Jubert : claviers, Gwen Ladeux : basse et Mathieu Edouard : batterie. Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant. Réalisation : Hadrien Touraud. ► Album Ba Yo (Aztec 2024) Concert 18 avril 2024 La Petite Halle, Paris.

Du Brésil à Cuba, via Lyon et Miami, voilà le voyage proposé dans la session live avec un guitariste et un pianiste. L’oiseau rare brésilien sort un nouvel album de pop tropicale exubérante et vintage. Quelque part, on retrouve le carioca João Selva là où on l’avait laissé, à naviguer sur le mythique Atlantique Noir pour créer une musique exaltante dont les vibrations nous invitent à Rio, au Nordeste brésilien, dans les Caraïbes, au Cap Vert ou encore en Angola. Son dernier album, Navegar (2021), plébiscité par la critique, est une revigorante machine à danser et à rêver qui réactualise la révolution tropicaliste des années 70 en proposant un turbulent mélange de samba, soul, jazz et funk. Après la sortie de Passarinho (2023), voici le temps des remixes. Titres des morceaux interprétés au grand studio - Menina me encanta Live RFI - Cantar, extrait du CD - Seu Carnaval Live RFI. Line Up : Joao Selva, chant guitare. Son : Benoît Letirant + Mathias Taylor Réalisation : Hadrien Touraud. ► Album Passarinho remixes (Underdog Rd 2023). Puis nous recevons le pianiste cubain Alfredo Rodriguez. Avec son nouvel album Coral Way, le pianiste virtuose et compositeur cubain Alfredo Rodriguez offre une bande sonore on ne peut plus à-propos et représentative de la scène musicale de sa ville d’adoption, Miami : un savoureux mélange de pop latine, timba, salsa, bachata, tango, reggaeton et boléro. Rappelant la diversité de la communauté latine de la ville, les inspirations de cet album, où l’on retrouve entre autres Cimafunk et Alana Sinkëy, font tout autant appel aux racines de Rodriguez qu'à ses nouvelles expériences. Titres des morceaux interprétés au grand studio - Coral Way Live RFI - Filho de Lua, extrait du CD - Blueberry Fields Live RFI. Line Up : Alfredo Rodriguez : Pianiste, Manuela Mancheno, traductrice. Son : Benoît Letirant + Mathias Taylor. ► Album Coral Way (Mack Avenue Rd 2023).

C’est en Bretagne que nous plantons la tente pour un résumé sonore des dernières Transmusicales de Rennes. Coup de cœur d’Elodie Maillot : Yamê ! Ce festival international déniche les futurs artistes qui vont cartonner. Les chiffres en 2023 : 52 000 festivaliers, 77 groupes sélectionnés par le boss Jean-Louis Brossard (Stromae, Björk, Les Fugees…). Elodie Maillot l’avoue tout net, elle a craqué pour Yamê ! Par ailleurs révélation masculine des Victoires de la musique 2024. Son argot de Douala à Cergy-Pontoise, sa plume où s’entrechoquent Mami Wata, Natacha Polony, la moula du Katanga font exploser le 237 (c’est l’indicatif du Cameroun). Le bantou bionic, fils du musicien sénégalais M’backe Sow est le 1 invité de ce reportage. Vous y rencontrerez également Hanaa Ouassim, Cyril Yeterian du groupe Yalla Miku et label manager du label genevois Bongo Joe, sans oublier la musique qui guérit de Ndox Électrique ou de Sami Galbi. Lien Yamê YouTube Prochain rdv des Transmusicales : du 4 au 8 décembre 2024 Les Trans 2023 à lire sur RFI Musique Yamê à lire sur RFI Musique.

Nos 1ers invités sont le groupe Souleance pour la sortie de l’album Beautiful. Apprécier autant qu’admirer la beauté, plus qu’un art, le duo Souleance en a fait une règle de vie. Toujours adepte des collages sonores et du sampling, Souleance s’est ici engagé sur une voie plus riche en instruments. Fulgeance en mastermind, à la fois aux claviers, à la basse et au beatmaking ; Soulist en force motrice de la composition et des scratches. Une seule et unique directive : faire la musique qui les fait vibrer, sans contrainte de tendances ou de critères de beauté qui ne sont pas les leurs. Sans calque à poser sur un genre précis et définitif. L’important est qu'à l’écoute de Beautiful, chacun se sente vivant. Habité par les grooves, désarmé devant la force d’attraction de ces titres-bons moments. La culture de la boucle héritée du hip hop toujours en embuscade, synthétiseurs analogiques et modulations de Moog habilleront ici d’une élégance jazz-funk 70s’ les intraitables beats claquants. Attirés par le Brésil, la Turquie ou Israël, les micros se sont d’eux-mêmes dirigés vers Joao Selva pour un instant de poésie dans les rues de Rio, entre une mère et son fils. Descendus de La Réunion pour danser avec Kaloune & Papatef au son d’un accordéon hypnotisant tournant sur lui-même, mis le cap vers l’Orient et l’Istanbul psyché-funk de Kit Sebastian. Enfin, se remettre un peu du périple, et danser à Tel-Aviv avec la soul de Jenny Penkin. Titres interprétés au grand studio - Feliz Live RFI - Koul dan mon Do Feat.Kaloune, Cyril Atef voir le clip - Onda Live RFI. Line Up : Fulgeance (jazzbass+moogsub37+laptop), Soulist (scratch, dj), Vincent Choquet (synths) et Guillaume Rossel (Drums). Son : Jérémie Besset & Mathias Taylor. Réalisation : Hadrien Touraud. ► Album Beautiful (Heavenly Sweetness 2024). Puis nous recevons le groupe suisse allemand Shrizz N Maze, biberonné au PFunk de George Clinton, pour la sortie de Dope Frequency. Eric «Shrizz» Rohner, est né et a grandi en Afrique avant de revenir s’installer dans son pays d’origine, la Suisse, à l’âge de 10 ans. Inspiré par le P-funk et le jazz, il intègre rapidement la Malka Family, célèbre groupe parisien, ce qui donnera naissance à d’autres projets comme les Gréements de Fortune et HornDogz. Ses talents l’amèneront à collaborer avec des stars mondiales comme George Clinton, Jimmy Cliff, Dave Stewart, Tony Allen, ou encore Omar et Judith Hill. Maze Kuenzler est né à Berne (Suisse), où il vit toujours. Dès l’adolescence, le guitariste des Flying Hats se fait remarquer par son jeu virtuose. Aujourd’hui, Maze joue avec les troubadours-guérilleros Tomazobi, avec Sam Snitchy, incarne The Ice Cream Man dans un projet solo et a accompagné des artistes tels que Dee Day Dub, Seven, Müslüm, Trummer et Edita Abdieski. Shrizz et Maze se sont rencontrés en 1999 au sein d’Ineffect, un groupe de funk bernois puis ont continué, après la dissolution du groupe, de mettre à profit leur complicité dans des expérimentations communes, créant ainsi les prémices de leur premier album, Dope Frequency, qui voit enfin le jour. Titres interprétés au grand studio - Jealous Eyes Live RFI + RFI Vidéos - True Love, extrait album Dope Frequency - Heredity Live RFI + RFI Vidéos Line Up : Eric «Shrizz» Rohner (chant, sax tenor), Greg Boyer (trombone, voix), Maze Küenzler (guitare, voix), Jay Murphy (clavier, voix), Thomas Braganti (basse), Olivier Bridot (trompette) et Fabrice Lerigab (batterie). Intervenants : Eric Rohner, Maze Kuenzleret & Greg Boyer. Son : Jérémie Besset & Mathias Taylor. Réalisation : Taguy M’Fah Traoré ► Album Dope Frequency (Orbitual Rd 2024).

Plongée dans la nuit fauve de bwa kayiman grâce au saxophoniste Jowee Omicil, et playlist de maître Sophian Fanen. Tous les mois, Sophian chronique 5 nouveautés : - Gabriel da Rosa, Cafuné (Stones Throw, 2023) voir le clip - Kali Uchis et Rauw Alejandro, No Hay Ley Parte 2, tiré de l'album Orquideas (Geffen Records, 2024) - Daudi Matsiko, Fool Me as Many Times as You Like, tiré de l'album The King of Misery (Really Good, 2024) voir le clip - Lina et Rodrigo Cuevas, O Que Temo E O Que Desejo, tiré de l'album Fado Camões (Galileo MC, 2024) voir le clip - Skygge, Nuit d'halloween, tiré du EP Clo_w_nes (Bruit rose, 2024) voir les clips Lire papier Sophian Fanen. Puis nous recevons Jowee Omicil dans la #SessionLive pour la sortie de l’album SpiriTuaL HeaLinG : Bwa KaYimaN FreeDoM SuiTe Que sait-on vraiment de Bois-Caïman ? Des coordonnées géographiques, 19° 43 ′ 24 ″ nord, 72° 16 ′ 20 ″ ouest, un lieu-dit au nord d'Haïti ; il faut traverser Carrefour La Mort, Moustique, pénétrer l'habitation Lenormand, se retrouver face à un gros arbre mal fagoté, deux rochers, peint de rouge, peint de bleu, les couleurs du drapeau national. C'est ici, très exactement, que le 14 août 1791, des fugitifs ont tué un porc, bu son sang, ils ont frappé des tambours, déterré des hymnes venus de pays dont on ne revient pas et ils ont lancé, cette nuit de feu et de brume, la seule révolution d'esclaves qui a abouti à une libération. À quoi songeait Jowee Omicil, le 6 juillet 2020, lorsqu'il est entré dans son salon –studio de Paris ; un garde-manger, un cabinet de curiosités, qui ressemble à tous les temples vaudou de province : des espaces où les objets sitôt posés prennent la forme du rêve. Le 6 juillet 2020, souvenez-vous, c'était un autre monde, confiné, dont on ne savait rien encore. Un temps de pause et de claustration, où les passe-murailles étaient souvent imaginaires et avançaient toujours masqués. Que s'est-il passé dans la tête de Jowee pour qu'il se prenne à rejouer, ce jour-là, la révolution de ses ancêtres ? Et à mettre un vent sur un monde qui sentait le renfermé. On a toujours pensé à Jowee comme un avatar, une réplique fin de siècle, hip-hop, du dieu Legba. La barbichette de vieillard juvénile, les mauvais tours du saint patron des carrefours, dont la sagesse a le goût sucré du canular. En fait, il est peut-être davantage un retour de flamme d’Agaou, esprit des vents, de l'orage et du tonnerre, qu'on ne voit jamais sans sa canne en jonc. Sa chanson dit à peu près ceci : « Agaou souffle, il vente. Il vente le Nordais, il vente le Suroît. Agaou n’est pas ici. Agaou sort de la Guinée. Il vente, il gronde. Ils n'ont plus besoin de moi. Ils m’appellent vieille chose. » Face à un monde asphyxié, Jowee a rassemblé toutes ses chambres à air, Soprano, Alto, Ténor, Bois, Clarinettes, Flûte piccolo, Cornet, ce qui souffle, ce qui vente, ce qui gronde. C'est une longue cérémonie d'exorcisme, pour balayer la terre des miasmes. Jowee-Agaou, comme Éole son double grec, libère les vents. Ce n'est pas de la blague. Ce disque est une incantation, une thérapie, il nettoie le monde en puisant dans la mémoire fantasmée de la révolution haïtienne. «SpiriTuaL HeaLinG : Bwa KaYimaN FreeDoM SuiTe » est au croisement de la médecine et de l'histoire racontée aux enfants, c'est une berceuse et un appel à l’insurrection. Pour Jowee, un gamin de Montréal, fils de pasteur haïtien, qui a chanté Jésus sur tous les tons, et puis ensuite Michael Jackson, et puis ensuite 2Pac, qui a appris le jazz auprès de celui qui l’a déconstruit (Ornette Coleman, autre maître du vent, dans son loft de Manhattan), la cérémonie a forcément le goût du free. Il existe des Freedom Suites, de Sonny Rollins, de Max Roach, d'autres ; des musiques–prières, des musiques capables de briser les chaînes dans la tête avant de les entamer sur les poignets, des musiques de pouvoir noir et de magie blanche. Des musiques qui ne distinguent pas la bataille et la consolation. Titres interprétés...