RETRO-CONEXION

La notación musical La lira griega y el guqin chino que se inventó hace 5000 años es uno de los instrumentos más antiguos que se conocen y aún se sigue utilizando en la música folclórica contemporánea. Estos instrumentos ya podían tocar más de una nota a la vez, y hasta acordes de tres sonidos o más. Pero esos eran solamente sonidos apilados que sonaban bien o los tocaban porque se sentían bien… hasta que por ahí del siglo IX, en la época en la que no existían las partituras, algunos músicos locos comenzaron con la idea de inventar alguna manera de anotar la música para transmitirla de papel en papel y no de boca en boca, porque pues la verdad parece teléfono descompuesto y al rato cada quién la toca como quiere y la descomponen tanto que al final ya ni se parece a la original. Así que estos señores… señores porque eran monjes, encontraron la forma de anotar una sola melodía en un papel que habían preparado trazando cuatro delgadas líneas paralelas, osea un tetragrama, el padre del pentagrama. Algo mágico acababa de suceder, la música ya no desaparecía en el tiempo, no dejaba de existir solo porque no había sonido. Su esencia estaba ahí, plasmada en forma de figuras geométricas que navegaban el tetragrama que las sostenía. Ahora, la música también se podía ver, y podían meditar en los sonidos que esas figuras representaban, y comenzaron a entender la relación la relación entre cada nota de la escala, y la importancia de esta relación en el movimiento de la melodía. Ese momento fue como descubrir los elementos de la tabla periódica y sus propiedades porque cada nota tiene un peso, una jerarquía, y cada una produce una sensación diferente. El nacimiento de la armonía Y entonces, tras meses, años, décadas de contemplación y observación, así como los grandes astrónomos observaban las estrellas tratando de hacer sentido del universo, algún músico filósofo obsesionados con componer la mejor melodía tuvo la idea de apoyar una melodía con una segunda voz, una segunda melodía con una nota diferente que resonaba con la primera y que acentuaba sus sensaciones emocionales… Ese fue el momento en que nació LA ARMONÍA. Por muchos siglos la melodía y la armonía trataron de evolucionar en un periodo de oscuridad lleno de tabúes impuestos por las supersticiones de la iglesia. Muchos acordes eran considerados diabólicos y muchas melodías que eran demasiado lujuriosas para cualquiera que se considerara temeroso de dios. Pf! Si en los 80’s decían que Flans era del diablo, no dudo que hayan enviado a las mazmorras a alguno que otro compositor por haber compuesto alguna melodía infernal. Pero ¡en fin! Afortunadamente llegó el renacimiento, ¡el bendito renacimiento! El Renacimiento El renacimiento fue la época en la que él fue la época de los artistas Miguel Angel, Donatello, Leonardo Da Vinci, y Rafael, las Tortugas Ninja pues, bueno así ya no se te va a olvidar quienes eran las lumbreras del renacimiento. Y bueno, durante esa época los artistas ya gozaban de mucha más libertad ya tenían más oportunidades para experimentar y explotar esos recursos que habían estado prohibidos durante tantos siglos. Ahora, podían utilizar notas disonantes,notas que chocan unas contra otras, armonías más atrevidas que pueden estremecer los corazones y detienen el aliento de quienes la escuchan. Bach y la afinación Hay un suceso técnico de la música que me parece fascinante y que aunque casi nadie sabe qué sucedió ni de qué se trata porque es realmente un poco complicado explicar sin meternos en tantos tecnicismos. Creo que podría compararlo con el momento en que pasamos de televisiones en blanco y negro a televisiones a color, porque antes de este suceso del que hablo toda la música era blanco y negro. A ver Issac, pero de qué rayos me estás hablando compadre. ¿Recuerdas al compositor Johann Sebastian Bach? Sí, ese mismo de la famosa tocata y fuga en Re menor. El señor Bach fue otro genio que cambió la manera en la que los músicos componían hasta el...

MELODÍA Hace mucho mucho tiempo, antes de que existiera la música, andábamos vagando por las sabanas africanas tratando de comprender cómo funciona esto de vivir. Para sobrevivir teníamos que cazar sus alimentos y nos dimos cuenta de que podíamos imitar el sonido de algunos animales y los podíamos atrapar con mayor facilidad. Imitábamos el sonido de insectos, el grito de los primates, el canto de los pájaros, y no pasó mucho tiempo antes de que nos dieramos cuenta que también nosotros podíamos cantar. Este es el segundo de cuatro episodios de nuestro especial Los Cuatro Elementos de la Música. Quedate en conexión con Jalisco Radio para escuchar melodías que nos hacen sentir. Melodía La MELODÍA es el segundo de los cuatro elementos de la música. Podríamos decir que el ritmo está conectado a nosotros de una manera muy física y por eso nos motiva a mover el cuerpo, pero la melodía estimula nuestro lado emocional. Cómo es que nos afecta tanto una buena melodía es hasta hoy en día uno de los aspectos más misteriosos de la música. Podemos componer una melodía con una buena estructura, que sea fluida, que tenga puntos de interés y un clímax, pero al final lo más importante es que logre mover nuestro corazón y nuestras emociones. Por allá a finales de los 90’s (UUUUUUY) mi pequeño grupo de amigos de la escuela de música y de la UDG y yo nos juntábamos en casa de una muy buena compañera cellista (un saludo a Liliana Terrez) porque tenía un pequeño depa muy acogedor y ahí nos juntábamos para escuchar música. Super bohemia la cosa, porque además no teníamos un peso en que caernos muertos. Fue un año en que una casa importante de discos en Guadalajara estaba liquidando toda su mercancía así que nos gastábamos lo que nos habíamos ganado tocando en bares y misas comprando CDs de música clásica en remate. Una de esas noches, la chica de uno de mis cuates llevó a su amiga Gaby que conocía de música clásica lo mismo que yo de física cuántica, osea NPI. Yo traía un disco nuevo que quería compartir que incluía una canción del compositor checo Antonin Dvorak. Cuando la canción terminó, Gaby suspiro y dijo “Ay, van a decir que qué mensa pero es que esa canción me recordó a mi mamá”. Los que estábamos ahí sabíamos lo que estábamos escuchando nos quedamos en silencio, sonreímos y nos volteamos a ver entre nosotros. Mi amigo Carlos volteó y le preguntó a Gaby… ¿Gaby, sabes que dice esa canción? ¿No, qué dice? “Cuando mi madre ya era mayor y me enseñaba estas canciones, extrañamente sus ojos se llenaban de lágrimas. Ahora soy mayor y cuando enseño estas canciones a mis hijos, mis mejillas también se mojan de lágrimas.” Las Escalas Si nos ponemos un poco más técnicos, podemos decir que las melodías existen dentro de los límites de las escalas en las que están construidas. A lo largo de la historia las escalas han evolucionado en estilos y estructura según la época y la cultura, y es por estas escalas que podemos distinguir con claridad la música oriental de la música dodecafónica, o la música bizantina. La Tónica En principio, para tener una escala, necesitamos una tónica… La tónica es la nota alrededor de la cual gravitan todas las demás, es la que decide el humor de la melodía, es la que nos hace sentir el principio y el final. La música que vuelve a su tónica frecuentemente, es música que se siente muy estable, y la que lo usa poco da la sensación de inestabilidad o de que estamos en un camino al que todavía le falta un buen tramo. Durante la primera mitad del siglo XX hubo una corriente de músicos rebeldes decididos a acabar con la tradición de la música tonal. El resultado fueron melodías inestables que parecen meternos en un túnel del tiempo sin fin y después de todo este tiempo, los músicos nos seguimos preguntando si este tipo de melodías realmente nos pueden ayudar a expresar emociones humanas o ¿solamente fue un intento interesante de exploración musical? Melodías Mexicanas Terminamos el segundo episodio de Los Cuatro...

Música. ¿Qué es la música? Para algunas personas, la música son las obras de los grandes maestros como Bach, Mozart, y Beethoven, para otras música es Peso Pluma o Lenin Ramirez, y para muchos de esos jazzistas tradicionalistas cualquier cosa compuesta antes de 1940 o después de 1960 no es música en realidad. En 1913, el público abucheó a Igors Strawinsky durante el estreno de La Consagración de la Primavera, y 70 años después, en 1983 mi abuelita vetó la canción Sunday Bloody Sunday de U2 en su casa porque el domingo es el día del Señor y se debía respetar. Encontrar qué es lo que Metallica, Los Tigres del Norte, y Chopin tienen en común es una de las búsquedas más abstractas en las que el ser humano ha incursionado. La Real Academia de la Lengua Española define la música como “el arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, de suerte que produzcan deleite, conmoviendo la sensibilidad, ya sea alegre o tristemente”, pero en realidad la música va mucho más allá de una simple definición de diccionario… En Jalisco Radio hemos preparado un especial de 4 episodios para explicar un poco mejor cuáles y qué son los Cuatro Elementos de la Música así que quédate en conexión porque en la siguiente hora escucharemos música con ritmos que despertarán tus sentidos. www.retroconexion.com

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Escucha la música de este episodio en SPOTIFY. Sigenos y escuchanos cada semana en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts. El Mar ha sido inspiración para músicos, científicos, exploradores… En realidad el Mar es una fuente de inspiración para sea quien sea que ponga los pies en la arena. El sonido de las olas, la brisa húmeda con ese exquisito olor a sal, los atardeceres mágicos, darnos cuenta de lo ínfimos que somos y de lo insignificantes que se ven nuestros problemas frente a la vastedad del oceano. UNE BARQUE SUR L’OCEAN Uf, los impresionistas, son de mis favoritos. ¡Las armonías, los colores! Es como estar en un mar encantado en el que los peces saltan y brillan en la noche tapizada de estrellas que se reflejan en el agua. Para mi, como cellista, la experiencia de tocar música impresionista fue siempre como si la concentración y la energía acumulada entre los músicos de la orquesta nos transportara a otra dimensión. LA MER Para la siguiente historia tenemos que viajar a Japón, a principios del siglo XIX. Katsushika Hokusai era un artista en sus setenta que no dejaba de trabajar, y estaba loco por dibujar, lo hacía feliz como a un niño y siempre estaba tratando de mejorar su trabajo. Fue un vanguardista en su arte y sus técnicas cambiaron la industria de las impresiones significativamente en Japón.

Sigenos y escuchanos cada semana en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts. Esta mañana viajaremos a un mundo en el que el tiempo es diferente, un mundo que altera nuestros sentidos en maneras que no nos podemos ni imaginar, un mundo místico que cambia la percepción de la vida misma para quienes han tenido la oportunidad de visitarlo. Hoy nos acompaña Arturo Ramírez Martell, un buzo e instructor PADI que nos llevará de la aleta a conocer este mundo fantástico e inspirador que es el mundo subacuático. Escucha la música de este episodio en SPOTIFY

En episodios anteriores escuchamos la música de Bach, Mozart, Beethoven, Schumann y Brahms y con todos ellos podemos notar cómo evolucionan sus composiciones con el tiempo, como todos tienen un estilo muy marcado y una personalidad definida; pero con el de esta semana es diferente, su música es como si un escritor escribiera un libro en en Ruso, después otro en Francés, uno en Inglés y así. No componía música para reflejar emociones, “La música es solo música” decía, y siempre se preocupaba más por cómo sonaban las notas, los acordes y las orquestaciones que por transmitir algún sentimiento humano. Quédate en conexión con nosotros para escuchar la música del peculiar compositor ruso, Igor Stravinsky. Mi nombre es Issac Ramírez y esto es Retro-Conexión. EL PERSONAJE Casi completamente calvo, con cabeza de huevo, orejotas, y bigote debajo de una nariz enorme sobre la que descansaban unos anteojos gruesos y pesados; todo eso encima de un pequeño cuerpo como de hormiga, siempre cubierto por suéteres, abrigos, bufandas y una boina que a veces se dejaba puesta hasta para dormir, porque además era hipocondriaco… Así era el compositor Igor Stravinsky, como una hormiga con cabeza de huevo, pero una hormiga de esas muy ordenadas y trabajadoras. “¡Quiero trabajar!” le renegaba a una enfermera que lo estaba cuidando “y si no puedo trabajar, mejor quiero morirme”. Creo que hay pocos compositores en la historia que se hayan tomado sus composiciones tan seriamente como Stravinsky. Él estaba completamente convencido de la importancia de cada una de sus obras y veía en cada una de ellas una obra maestra. Cuando le preguntaron, “oiga maestro, y cuál de sus obras nos podría recomendar más” él contestaba “TODAS, le recomiendo TODAS mis obras”. EL TACAÑO Su vida era su música, y entre componer, dar conciertos y dirigir orquestas apenas tenía tiempo para cualquier otra cosa, pero eso le gustaba porque así podía presentar su música tal y como a él le gustaba. ¿Y qué motivaba a Igor a trabajar tan duro? ¡El dinero! El lo que quería era cobrar los cheques, así que se puso a componer y a dirigir tanto como podía. ¡Le encantaba la lana y era de tacaño y codo, lo que sigue! Era tan tacaño que cuando le llegaba correo y veía que había alguna estampilla que no estaba sellada, pues sí, lo metía en agua para despegarla y volver a usarla en su correspondencia. Era tan codo que odiaba pagar copistas cuando se necesitaban partituras para toda la orquesta así que él mismo lo hacía aunque tardara años, pero eso sí, se ahorraba una lanilla. EL HIPOCONDRIACO Igor Stravinsky era hipocondriaco, y cuando no quería ir a una reunión decía que estaba enfermo de, no sé, ébola, y si estaba en algún lugar con más personas y alguien estornudaba, salía disparado dejando un hoyo con forma de Stravinsky en la puerta. Para él no existía eso de tomar las cosas con calma, más bien siempre tenía reacciones intensas para todo, pero así como era de intenso, tenía una curiosidad igual de intensa. Le gustaba conocer otros tipos de música, sobre todo folklórica y jazz, y las incorporaba a su música. Yo sé que si le hubiéramos preguntado a Stravinsky, él hubiera dicho que todas sus obras son obras maestras, pero algunas de ellas parecen experimentos; siempre estaba experimentando y tratando de hacer algo más interesante cada vez. Compuso hasta música de circo una vez que le encargaron música para un espectáculo con 50 elefantes bailarines. “Hh, ¿qué edad tienen los elefantes?” preguntó Igor “acepto solo si son elefantes jóvenes, elefantes viejos no quiero”. Aaaay eso sí era ideatico a más no poder. EL WHISKY Muy preocupado por su salud se la pasaba Igor Stravinsky y se la pasaba pensando que le daban todas las enfermedades. Estaba tan obsesionado que llevaba un diario detallado de todos los medicamentos que tomaba y de los síntomas que tenía. Aaaaah pero eso sí, le gustaba comer como rey, fumaba todo el tiempo y… y… bueno… le encantaba el whisky. “¡Mi nombre no debería ser...

Escucha el podcast de RETRO-CONEXIÓN en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts. SCHUMANN Durante las últimas semanas hemos escuchado un poco sobre la vida de tres titanes de la música. Johan Sebastian Bach, que componía como si Dios les hablara sus hijos desde los cielos; Wolfgang Amadeus Mozart, con su sonidos que parecen salidos de la naturaleza: y Ludwig van Beethoven, que con su música parece hablar para toda la humanidad. El día de hoy vamos a escuchar a Robert Schumann, y ÉL, parece hablarle a cada persona que escucha su música, como si supiera los sentimientos que hemos tenido, las emociones que nos invaden todos los días de esta montaña rusa que es la vida. Si escuchaste el episodio de la semana pasada sobre la vida de Beethoven, y si su personalidad te pareció rara, pues Robert Schumann le dice quítate que ahí te voy porque se comportaba como si viniera de otro planeta. Por ejemplo, cuando terminó su primera sinfonía fue a visitar a su amigo violinista y director de orquesta Ferdinand David. Los dos se sentaron en la sala en silencio por casi una hora hasta que David por fin adivinó qué demonios era lo que quería “Robert, ¿ya terminaste la sinfonía verdad?” le dijo a Schumann “Y quieres que yo la dirija ¿no es así?” y el otro solamente asentó con la cabeza y haciendo una seña con la mano de que él ponía el dinero para pagarle a los músicos. Muy satisfecho de que había logrado comunicar el motivo de su visita, prendió un cigarro (le encantaban los cigarros) trató de decir algo, pero entre palabras a medias y que no dejaba de llevarse el cigarro a la boca se levantó y se fue a casa… o al menos eso trató porque se equivocó de puerta y ya no sabía ni por donde salir, hasta que su amigo David le abrió la puerta correcta para que pudiera salir. Total, Schumann todo nervioso y atarantado salió sin despedirse y dejó al otro deteniendo la puerta así como de “OK”. Pues sí, Robert Schumann era uno de esos artistas a los que le cuesta trabajo darse cuenta de lo que pasa alrededor de ellos porque su cabeza siempre está en otro planeta, porque siempre están soñando despiertos. Era lo que llamamos un verdadero romántico y todo lo que componía parecía ser sacado de un mundo más bello, más dramático, y más mágico que el mundo en el que los terrícolas vivimos. Robert Schumann Robert Schumann nació el 8 de junio de 1810 en Alemanía. Su papá Augusto era escritor, vendía libros y creó una lista de negocios que existían en el país, algo así como unas Yellow Pages o listings de Google Maps, su hijo le ayudaba y aprendió mucho sobre la profesión de escribir, publicar y distribuir lo que ahora llamaríamos “contenido”. Cuando Robert tenía 16, Augusto murió y se quedó bajo el cuidado de su cariñosa y tierna madre. La pobre señora Schumann, era muy buena madre pero también era un manojo de nervios y sufría de depresión, todo lo contrario a su hijo de carácter explosivo y creativo como el de su padre. La pobre siempre terminaba llorando en su silla especial porque no podía con el joven Robert y estaba tan preocupada por su futuro que lo mandó a estudiar leyes porque tenía miedo de que su hijo se muriera de hambre si no estudiaba una carrera de a deveras… ¡¡¡¡¡AAAAAAH!!!! ¿En dónde he escuchado eso? XD ¿Oye compa y qué estudias? -Musica. No en serio, qué estás estudiando. -¡MÚSICA! Oye, pero, ¿y de qué vas a vivir? Robert ya escribía algunas cosas y tocaba piano cuando su madre lo mandó a estudiar leyes, pero cuando cumplió 19 conoció a Friedrich Weick, un prestigioso y muy estricto maestro de piano que le dijo a Robert y a su mamá que él podía enseñar al joven talentoso a convertirse en un verdadero pianista profesional. Y ahí va la mamá nerviosa y desconsolada a llorar a su silla especial otra vez, pero al final aceptó y le dió permiso a su hijo de estudiar la carrera que tanto quería. Friedrich Weick era una fiera con sus alumnos y le dijo a Robert que si quería aprender de neta se tenía que mudar a su casa para un aprendizaje...

Escucha el podcast de RETRO-CONEXIÓN en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts. Qué hubiera sucedido si Miguel Angel hubiera perdido la vista, o que Ghandi hubiera sido incapaz de hablar. Hoy quiero platicarte un poco de mi héroe, un genio incomprendido adelantado a su época que la historia ha caricaturizado como un personaje desagradable, de mal genio y qué solo componía música trágica y lúgubre. Es mi héroe porque a pesar de haber tenido una vida muy difícil y de haber perdido el sentido con el que todos admiramos su música, su obra es una oda a la alegría de vivir y a las maravillas que puede crear el ser humano. Sí, ya adivinaste, estoy hablando del compositor alemán Ludwig van Beethoven. Si pudiéramos viajar en el tiempo para conocer a Beethoven, sería una experiencia muy extraña. Su ropa era un desastre, su pelo era un desastre, su sombrero era un desastre; en fin, todo él era un desastre. Caminaba para todos lados frenéticamente, gesticulando, murmurando para el mismo, de repente soltaba una carcajada estruendosa sin razón aparente, y entonces se detenía, tarareaba alguna melodía y balbuceando rayoneaba quién sabe qué garabato en un pequeño cuaderno de notas que sacaba de su bolsillo… y otra vez comenzaba a caminar por todos lados. Su apartamento era un completo desorden. Había partituras regadas por doquier, su piano estaba todo manchado de tinta y tenía un montón de cuerdas rotas, había sillas tiradas, y platos de comida a medias por aquí y por allá. Cuando le daba calor por andar caminando de arriba a abajo, agarraba un bote de agua y se lo echaba en la cabeza salpicando todo y se escurría entre las ranuras de la madera del piso empapando al pobre vecino del departamento de abajo. Chale, Beethoven era el vecino que ninguna persona quiere tener. A la gente le daba miedo visitarlo porque pensaban que odiaba a las personas, y ciertamente odiaba que lo visitaran cuando estaba trabajando en una nueva composición, pero le encantaba recibir la visita de sus amigos cuando lo consideraba apropiado y les daba una bienvenida muy efusiva.. a su manera claro... Sí era muy temperamental y muchas veces hasta grosero con ellos cuando estaba en desacuerdo en algo, pero siempre pedía disculpas días después cuando se daba cuenta que la había regado. Trataba a todo el mundo por igual, fueran sus amigos, el bar tender o hasta a los aristócrata, porque algo que él odiaba era que lo trataran como animalito de circo (así como a Mozart) así si querían ser sus amigos, lo tenían que aceptar tal y como era sin importar su vestimenta o sus malos modales. Con todo y todo, tenía un corazón bondadoso. Si alguno de sus amigos estaba en problemas, él era siempre el primero en querer ayudar. Una vez ayudó a recaudar dinero para una de las hijas de Johann Sebastian Bach que estaba en dificultades económicas. Pero, a medida que su sordera empeoraba, se volvió paranoico y comenzó a sospechar de todo el mundo. Hasta pensaba que sus amigos solo se querían aprovechar de él para sacarle dinero. Por muchas razones la historia ha pintado a Beethoven como un hombre áspero y enojón, pero hay mucho más facetas de él que esa imágen caricaturesca. El destino lo trato muy duro y como él mismo decía “La vida es hermosa, pero para mi esta envenenada para siempre”. La mayoría de las personas nos hubiéramos desplomado si hubiéramos perdido el oído, el sentido más importante y esencial para crear nuestro arte, pero no Beethoven. Él era un verdadero héroe y siempre va a ser para mi un ejemplo de fortaleza a seguir. El día de hoy estamos escuchando un poco sobre la vida de Beethoven, el genio incomprendido. Su abuelo era músico y su papá también, pero para su mala suerte, su padre estaba obsesionado con hacer de él el próximo Mozart y lo ponía a estudiar mañana, tarde y noche. Además el señor era alcohólico y cuando el pequeño Ludwig cometía errores, lo golpeaba en los oídos (cosa que pudo haberle causado lesiones que desencadenaron su sordera años...

A los 12 compuso su primera ópera y la dirigió él mismo; debió ser simpática la imagen de un niño con peluca rococó y un pequeño traje sastre dirigiendo una orquesta de profesionales, pero aún en esa época, ninguno de ellos se burló y trabajaban arduamente con él porque todos sabían que ese niño era un completo milagro. Ese milagro se llamaba Johannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Mozart.

Bach, sinónimo de perfección, belleza e inspiración. Me han preguntado muchas veces cuál es mi compositor favorito sobre todos los demás. Esa es una pregunta que siempre me ha parecido incómoda porque cómo puedo eliminar a Beethoven de la lista, a Brahms, Ravel, Rachmaninoff o Shostakovich. Pero después de pensarlo mucho (y me atrevo a hablar por la mayoría de los músicos profesionales ya sean clásicos, jazzistas o rockeros) hay un nombre que para nosotros es un parteaguas, un antes y después, y ese nombre es Johann Sebastian Bach. JOHANN SEBASTIAN BACH Pero ¿quién era Johann Sebastian Bach? ¿Cómo era? Porque solo nos dejó un retrato pintado por Elias Haussmann a mediados de los 1700s y la mirada es más bien “hijole tengo tantas cosas que hacer hoy y tu entreteniendome con esta tontería de que para la posteridad y no se qué” Por lo que sabemos, Johann Sebastian era más bien alegre… muy alegre… le encantaba comer, le encantaba beber y siempre encontraba algún pretexto para juntarse con amigos a tomarse uno pomos. En las noches en su casa, cuando terminaba de cenar , agarraba una botella de Brandy y decía “compermisito, yo me voy a trabajar”, se iba a su estudio, se encerraba y pasaba la noche entera componiendo y tomando. Johann venía de un largo linaje de músicos; su tatara-tatara abuelo, Veit Bach era panadero y siempre traía con él un sistro que eran como unas guitarras muy antiguas y se la pasaba tocando para su propio deleite mientras sus trabajadores molían el trigo con el que horneaban sus panes. - si quieres saber más sobre el sitio, busca el episodio El Diente de Oro con la compositora y laudera Ana Ferper en www.retro-conexión.com - Y como changuito ve, changuito hace, sus hijos resultaron buenos panaderos, y a dos de ellos se les pegó el gusto musical, quienes a su vez pasaron la pasión por la música a sus hijos y así por generaciones. En un lapso de 50 años, alrededor de 80 descendientes Bachs fueron reconocidos músicos profesionales y mas de 50 de ellos se llamaban JOHANN. Los Bach se hicieron tan virales que en las ciudades en las que vivían las personas ya no preguntaban por un músico, preguntaban por un BACH. “¿Oye, conoces a algún Bach? Tengo misa de 6 y me falta organista.” Una familia MUY unida Cuando nuestro Johann Sebastian era pequeño y la familia se juntaba, iban las tías los tíos, los primos LAS PRIMAS, los nietos, todos eran músicos y como cristianos devotos cantaban himnos y alabanzas religiosas durante horas, pero… cuando lo serio terminaba, la pachanga comenzaba. Comían y bebían mientras le cambiaban las letras a los himnos para hacerlos chistosos, improvisaban cantatas e inventaban juegos para cucarse y ver quién era el mejor músico entre los BACH. Durante el siglo XVIII no había televisiones, así que Johann Sebastian hizo su propia aportación a la familia Bach con veinte chilpayates. ¡Si, veinte! Pero en aquella época la muerte infantil era muy común y solo sobrevivieron 10 de ellos… que, bueno, pues siguen siendo un montón, nomas le faltaba el portero. Y bueno, algunos de ellos también se hicieron músicos profesionales y destacaron como Carl Philipp Emanuel Bach y Johann Christian Bach. Johan Christian era hijo de Ana Magdalena, y Carl Philipp de Maria Barbara, su primera esposa que también era su prima, aja, esa prima con la que tanto se divertía en las fiestas familiares, por eso le encantaba ir. Estaba perdidamente enamorado de ella hasta que ella falleció durante un viaje de trabajo que se alargó, ella se enfermó y fue imposible avisar en esa época en la que los mensajes de una ciudad a otra se enviaban a caballo o a pie y tardaban días o hasta semanas en llegar a su destino. Cuando él regresó a casa habían pasado varios días desde los servicios funerales. Aunque era mucha su pena y dolor por la pérdida de María Barbara, no estuvo de luto mucho tiempo porque se casó al año siguiente con una cantante llamada Anna Magdalena. Johann Sebastian estaba tan entusiasmado de casarse con ella...

Esta semana tenemos música de altura inspirada en aves comunes pero que no dejan de ser maravillosas. Escucha el podcast de RETRO-CONEXIÓN en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts. Escucharemos música del compositor italiano Ottorino Resphigi y del finlandés Jean Sibelius, además charlaremos con Erika Eloisa Martínez Martínez, una bióloga experta en aves que nos va a guiar por el fascinante mundo de estos animales emplumados que habitan en los bosques y nuestras ciudades. El Periodo Barroco El periodo barroco de la música, por alguna razón es uno de los favoritos de toda la historia de la que llamamos ahora “música clásica”. Yo no sé si es porque sucedió durante el momento cúspide del renacimiento, o por el sonido místico de todos esos instrumentos que estaban evolucionando, o tal vez por el movimiento del bajo continuo y del contrapunto. Pues sea cual sea la razón, muchos grandes personajes como Beethoven, Felix Mendelssohn, y Heïtor Villalobos se inspiraban en sus técnicas y le rendían homenaje a los compositores de música barroca para escribir sus propias obras. Erika Eloisa Martínez Martínez, biologa Como al compositor italiano Ottorino Respighi le gustaba mucho el sonido del laúd del clavecín que erán típicos de esa época, se divertía haciendo arreglos y transcripciones de música para estos instrumentos y en 1928 se puso a trabajar en una suite para orquesta sinfónica titulada Los Pájaros. Escogió algunas obras inspiradas en aves y compuestas para clavecín de Bernardo Pasquini, Jacques Gallot, Jean-Philippe Rameau y de un compositor anónimo inglés, todos del periodo barroco. Uno pensaría que iba a elegir aves de profundidad poética o épica, pero no, eligió aves muy comunes, tan comunes que la mayoría de las veces que vemos una, pasamos por alto sus cualidades y su función en nuestro ecosistema… Haz click en play para escuchar la charla completa con Erika Eloisa Martínez Martínez, bióloga experta en aves.

Escucha el podcast de RETRO-CONEXIÓN en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts. TREESONG Como muchas personas lo hacemos, el compositor John Williams se escapaba a los parques que tenía cerca para respirar aire fresco bajo la sombra de algún árbol,en donde podía olvidarse del estrés y las obligaciones de la vida diaria. En la ciudad de Boston, había un parque en particular que tenía un árbol en particular que le llamaba mucho la atención y que se convirtió en su árbol favorito. Un día por accidente, conoció al científico que lo plantó y decidió componer el poema Treesong, La Canción del Árbol, una obra para violín y orquesta dedicado a este árbol y a su cuidador.

Escucha el podcast de RETRO-CONEXIÓN en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts. Caroline Shaw La historia de Caroline Shaw comenzó en la década de los 80s. ¡Quién lo iba a decir! Antes todo mundo criticaba a los 80s que porque eran muy insípidos y ahora la serie de televisión y las películas están atrapadísimas en los 80s Yo feliz era mi época… Pero bueno, mientras yo estaba ensuciándome las rodillas y rompiéndome la maceta en mi bici, Caroline de apenas dos años ya estaba tocando el violín con su mamá. Caray, a esa edad se empieza, no vejestorio como uno, y además aprendió a tocar el violín jugando, la mejor manera de aprender lo que sea. Y si juegas con música todo el día, es inevitable tratar de imitar a tus compositores favoritos. A los 10 años de edad Caroline ya componía piezas cortas al estilo de Mozart y música de cámara al estilo de Brahms… como si Brahms fuera tan sencillo. ¡Chale! A esa corta edad Caroline ya sabía que quería hacer por el resto de su vida. Años más tarde se graduó como violinista de la Universidad de Rice en Houston, Texas y más adelante obtuvo su maestría en la universidad de Yale en Connecticut. A sus 30 años de edad, Caroline recibió el Premio Pulitzer de Música por su Partita a 8 Voces. Es una partita de culto al barroco porque sus cuatro movimientos son danzas típicas de la partita barroca: Allemanda, Sarabande, Courrante y Passacaglia. La Allemanda La primera danza o como quien dice, el primer movimiento, la Allemanda, es precisamente lo que parece su nombre, LA ALEMANA. Una danza típica de alemania, en compás binario muy estable, pero que a veces nos juega trucos en la melodía y el ritmo. Todas las suites para cello de Bach tienen una allemanda y esta es particularmente difícil interpretativamente hablando. Son etéreas, misteriosas y con melodías poco predecibles… como esta de la primera suite para chelo… En su allemanda, la compositora trata de imaginar un mundo de música que nunca se haya escuchado pero con sonidos que siempre han estado ahí. Lo que me atrapó a mi de su música es toda esa experimentación y exploración de los sonidos que todos podemos producir con nuestra voz. La danza que sigue es la Sarabanda… aaaaah la bella sarabanda. Es una danza lenta también típica de la suite y la partita barroca. A Bach le gustaba tanto que fue la danza que más compuso en su vida. Entre suites orquestales y variaciones, 39 de esas obras tienen una Sarabanda, eso sin tomar en cuenta varias más que no portan ese título pero que tienen todas las características de una Zarabanda al estilo de Bach. La Passacaglia La semana pasada escuchamos la música de la compositora estadounidense, Caroline Shaw, y nos quedó pendiente el último movimiento de su Partita para 8 voces con la que ganó el Premio Pulitzer de Música a la edad de apenas 30 años. Esta obra para voces a capella está inspirada en la partita barroca y el último movimiento es una passacaglia o pasacalle. Hoy vamos a hacer un viaje por el tiempo y el espacio hasta España conectando la música moderna con la música barroca y lo vamos a hacer al compás de la pasacalle. Me encantan las passacaglias porque son de las formas musicales barrocas más sencillas y divertidas para componer y para escuchar; son las abuelitas del tema y variaciones y las hermanas mayores de la chacona, las folías y hasta el canon. ¿Bueno, y qué nos viene a la mente cuando pensamos en un canon? A mi la neta, como, chelista lo único que me hace pensar es cuando estamos en alguna chamba amenizando un bodorrio y alguien me pregunta “¿oye te sabes el canon de Pachelbel?” ¡AAAAAAA! ¿¡Cómo no me lo voy a saber si solo son 8 notas que se repiten una y otra vez?! La verdad es que aun con tanta repetidera en una obra que me encanta y tengo que aceptar que las melodías de los violines son bellísimas. Y bueno, su hermana mayor, la passacaglia es precisamente eso. Así como la primera obra que escuchamos hace unos momentos, la famosa passacaglia de Haendel, igual con el...

Escucha el podcast de RETRO-CONEXIÓN en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts. Una charla y confesiones de dos músicos clásicos que han descubierto un mundo espectacular en de la música popular. El día de hoy te tengo preparado un programa muy especial para mi por dos razones. La primera es que estoy de regreso en México después de algunos años viviendo en el extrangero y ¡uf! he comido como si no hubiera un mañana y he conocido a personas fabulosas en esta ciudad hermosa llamada Autlán de Navarro, o mejor conocida en estas tierras como Autlán de la Grana. La segunda razón es porque en esta ocasión yo fui el invitado al espacio del artista de la semana, el guitarrista Carlos Iván de León, y lo que iba a ser una entrevista formal sobre el Flamenco, se convirtió en una charla y confesiones de dos músicos clásicos que han descubierto un mundo espectacular en de la música popular. Así, en un pequeño departamento sobre la avenida Avila Camacho en Guadalajara, entre cuadros de Paco de Lucía y un escritorio con computadora para gamer, con la ambientación del tren ligero, el claxon de los autos atascados en el tráfico, y hasta una mentada de algún ciclista que no dejaron pasar, sonó la guitarra flamenca de este guitarrista potosino multiganador de concursos nacionales de guitarra.

El café es más que solo una bebida. Este elixir del despertar ha sido clave en las revoluciones sociales y tecnológicas que cambiaron el mundo. El compositor barroco Johann Sebastian Bach fue uno de esos artistas que quedaron cautivados por el poder que tiene el café para despertar las mentes de quienes lo beben. Escucha el podcast de RETRO-CONEXIÓN en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts. La barista Vianey Monreal y el compositor Abraham Calva nos llevaran en un viaje al pasado pada descubrir porqué el café ha sido tan importante en la historia de la civilización moderna. Kaldi Mil años atrás, en un pequeño pueblo en donde habita un joven pastor llamado Kaldi. A Kaldi le encanta tocar la flauta. Le gusta tocar con sus amigos, tocar melodías para su mamá, pero sobre todo le gusta tocar la flauta mientras sus cabras lo siguen por la vereda hasta las pasturas verdes en el bosque. Un día, antes de que se metiera el sol, Kaldi llamó a sus cabras con su flauta, pero en esta vez, las cabras no llegaron… (Haz click en play para escuchar la historia completa)

Profesora del Centro de Investigación y Estudios de la Música en la Ciudad de México, y con obras que abarcan desde lo conceptual hasta la música folclórica del desierto duranguense, Andrea Chamizo es hoy en día una de las compositoras jóvenes más activas del país. Escucha el podcast de RETRO-CONEXIÓN en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts

El día de hoy en Retro-Conexión tenemos como invitados a dos músicos mexicanos que están dejando huella en la enseñanza musical: el arpista Baltazar Juarez fundador de Mexico International Harp Competition and Festival; y el compositor y pedagogo Manuel Zazueta, maestro de Rítmica Dalcroze. Escucha el PLAYLIST y el podcast de Retro-Conexión en Spotify, Google Podcast, TuneIn, y PocketCasts Método Dalcroze El método Dalcroze es una forma de enseñar música, pero puede usarse en danza, actuación, terapia, terapia preventiva, y sus principios y técnicas se pueden aplicar en casi cualquier dominio. ¡Incluso conocí a un gerente de sucursal de seguros que tomó las ideas del método para aplicarlas con su equipo! Así que no hay límites para lo que podemos aprender a través del enfoque de Dalcroze. Trilogía de Dalcroze En el método hay tres componentes clave: La clase rítmica (que en realidad hace que el método sea único) La clase de solfeo y la improvisación. La rítmica es lo que hace único al método, es la clase donde creamos y reunimos momentos que nos permite sentir los diferentes elementos de la música de una manera intuitiva. Nos movemos, saltamos, caminamos, usamos diferentes materiales, los lanzamos, etc. Para crear momentos que ayuden a nuestro cuerpo a funcionar antes de comprender. La clase de solfeo consiste en leer y cantar siempre con los nombres de las notas, utilizando un do fijo. Y el objetivo es crear música a través de nuestra voz y nuestro cuerpo. En esta clase trabajamos con el objetivo de entrenar nuestro cuerpo para reaccionar a la música escrita y poder escribirla nosotros mismos. La improvisación es donde todo confluye, en esta clase animamos al participante a crear, ya sea con su propia voz o con su instrumento, obras de arte espontáneas que ayudarán a desarrollar nuestro impulso de aprendizaje. Cielito Arte El trabajo de Dalcroze Mx & Cielito Arte se basa en la divulgación de este método y de la educación artística a través de seminarios, talleres, conferencias, etc. Los participantes de estos eventos son en su mayoría músicos amateurs y profesionales, bailarines, actores, directores de orquesta y educadores. El método Dalcroze es multidisciplinario. Inició como una forma de entrenar el oído interno de estudiantes de música, pero ahora cualquier disciplina artística se puede beneficiar de la rítmica Dalcroze, incluso se han encontrado aplicaciones terapéuticas para adultos mayores, de movilidad reducida, deficiencia de lenguaje, etc. Una clase Dalcroze es muy particular en contenido en su aspecto y sobre todo en cómo se siente. La experiencia personal es necesaria si queremos entender en realidad lo que es Dalcroze, así que no tengas miedo de quitarte los zapatos y ponerte a saltar con nosotros! Manuel Zazueta, director académico El maestro Zazueta cuenta con la licencia del método Dalcroze con equivalencia a Master por el Instituto Jaques-Dalcroze de Ginebra, lo cual le da el derecho de presentar cursos que ostenten el nombre DALCROZE ®. Como parte de su formación también hizo estudios de composición y gestión de proyectos culturales en la Universidad de Guadalajara. Ha colaborado con instituciones como la Facultad de Música de la UNAM, Conservatorio de las rosas y Escuela Superior de música entre otras Universidades y escuelas de música en México. En América ha trabajado también con la Universidad de Colombia, La Escuela Dalcroze de las Rocallosas en Estados Unidos y el Consejo Escolar Francófono en Canadá. Actualmente radica en Asia, donde colabora con la Escuela Internacional de Vietnam en Hanoi. Se dedica también a la capacitación de maestros vía online desde hace más de 5 años y de forma presencial. MEXICO INTERNACIONAL HARP COMPETITION AND FESTIVAL Fundado en 2006 por el arpista mexicano Baltazar Juárez, se ha consolidado como el evento de arpa más importante en Latinoamérica y ha logrado ser un referente a nivel internacional. Realizado cada tres años en la Ciudad de México, en donde...

El día de hoy escucharemos la música de tres jalisceinses con estilos muy diferentes. El bajista Luis Arreola, el violinista Bernardo Uriarte; y la compositora Cynthia Martinez. Hace un par de semanas charlabamos con el compositor Kenji Kishi, contrabajista del Ensamble Supercluster, platicamos un poco sobre Cynthia Martinez, y su composición titulada MARCOS, una pieza escrita en notación gráfica… sí, osea no en pentagrama sino con rayas, cuadros, puntitos, triángulos. ¿Uh? Exacto, así me quedé. Pero ahí voy, doña curiosidad no me iba a dejar en paz. Notación Musical Gráfica ¿A ver, como está eso de la “escritura gráfica”? Busqué primero al Ensamble Supercluster en facebook para ver si tenían algún link o alguna referencia a este tipo de notación músical . En su sección de fotogr afías tienen fotos de un taller de composición en el que participaron y ahí subieron algunas imágenes de lo que parece ser escritura gráfica. En Wikipedia no encontré mucha información más que la elemental. Cosas que aprendí en la universidad o de algún compañero clavado… así como los de Proyecto Caos y los de Supecluster. Nombres como George Crum, John Cagey hasta Xenakis me suenan pero honestamente nunca he visto una partitura gráfica más que en fotografías en libros. Bueno, ya pues, que tal si mejor le preguntamos a Cynthia Martinez, porque la verdad, me muero de curiosidad por ver alguna partitura con la notación musical gráfica. Visita Retro-Conexión para ver la partitura gráfica “Marcos” de Cynthia Martínez y escuchar el playlist de este EPISODIO. Bernardo Uriarte Ochoa Nacido en Guadalajara, Jalisco, México el 11 de noviembre de 1976. Sus inicios musicales comenzaron a partir de sus 15 años estudiando la guitarra eléctrica, clásica y posteriormente formaliza sus estudios con el violín (Profesional medio en música C.E.D.A.R.T. -I.N.B.A) Después cursa la carrera en composición (Licenciatura en música U. de G.). Participó en proyectos electrónicos y acústicos para crear sonoridades frescas e innovadoras, trabajando con programaciones en computadora, y sobre estas ejecutando melodías e improvisaciones de violines, saxofón, guitarra, piano, percusiones. También compositor de piezas para cuartetos de cuerda, piano, alientos y orquestales que se interpretan en el ámbito clásico-académico además de arreglos para diferentes medios artísticos. Beneficiario de la beca: “Jóvenes Creadores” del estado de Jalisco otorgada por el PECDA (2009-2010) con la Sonata para piano, suite para orquesta de cámara de nueve instrumentos “Diversidad” y Fantasía para orquesta “P’Urhépecha”. En 2012 participó en la creación de obra para el proyecto Concomitante Tapatío, apoyado por el CECA, con la suite “Consecuencias”, música de cámara para flauta, violín, cello, contrabajo y guitarra. Suite Consecuencias I. A Consecuencia Bernardo Uriarte II. En Consecuencia Bernardo Uriarte III. Sin Consecuencia Bernardo Uriarte Miguel Ángel Calderón, guitarra Cynthia Martínez, flauta Efraín Reyes, violín Alfonso González, cello Luis Eduardo Arreola B-Sides Trio Nació en Guadalajara, México y comenzó su preparación musical en la Escuela de Música de la Universidad de Guadalajara, siendo el contrabajo su instrumento y su profesor Risjard Ronowicks (Polonia). Más adelante continuó su preparación en contrabajo con el profesor Tony Botelho (Brasil) pero más enfocado al jazz y al folklore latinoamericano, así como con el jazzista mexicano Rodrigo Castelán en bajo eléctrico Ha participado como bajista en muy diversas agrupaciones donde ha tocado Blues, Rock, Pop, Jazz y Flamenco. Algunos de los artistas con los que ha girado por diversas partes del territorio mexicano y el extranjero han sido: Sherele (Klezmer), Jaramar Soto (Seferdí), Gerardo Enciso (Rock), Hernaldo Zúñiga (Cantautor), Kabah (Pop), La Fachada de Piedra (Blues) entre otros. Parte de su desempeño ha sido en el la producción y composición para temas con otros artistas y en la publicidad, trabajando con...

Chilakil Brass, un quinteto que rápidamente se transformó en uno de los ensambles jaliscienses más importantes para el público y para compositores contemporáneos. Escucha el PLAYLIST de este episodio en Spotify o en www.RetroConexion.com